Si hay un disco que pueda autodenominarse o sentirse perteneciente a un concepto relativo a la psicodelia moderna en términos musicales, es este Urban Hymns de los británicos The Verve, un album de britpop atípico, que poco tiene que ver con lo que Oasis o Blur nos ofrecían (no leerse como crítica a estos otros dos máximos exponentes). Quedan pocos discos que transporten cogidos de la mano, y este es uno de ellos, echando el cierre a aquellos maravillosos años ’90, con una de las mejores canciones del panorama británico, que ha sido utilizada en numerosos spots publicitarios y piezas audiovisuales y a su vez, que más polémica ha levantado por su autoría como Bitter Sweet Symphony. Si aquellos violines hablaran…

Tras la primera (de muchas) separación de la banda habiendo publicado sus dos antecesores LP’s, A Storm In Heaven (1993) y A Northern Soul (1995), los cuatro decidieron volver a unir fuerzas, esta vez acompañados de un nuevo y quinto miembro, el guitarrista Simon Tong (también colaborador de Blur, Gorillaz, o The Good, The Bad & The Queen entre otros), amigo del líder Richard Ashcroft de la infancia. De esta forma, el sonido de la banda ganaba en amplitud ofreciéndoles la posibilidad tan bien aprovechada en este album de solapar guitarras con distintos efectos de sonido que dotarían al grupo de un sonido mucho más redondo, completo y ambiental, alejándolos de otros estilos más lineales también de la época (los propios Blur, Oasis, Suede, etc), apoyados también por duplicados de la voz de Ashcroft. Fue a finales del segundo trimestre de 1997 cuando empezaba a verse el videoclip de Bitter Sweet Symphony en la mayoría de televisores de occidente, con un Ashcroft con cara de pocos amigos andando calle abajo con la mirada perdida, cantando al compás de unos violines, violines que provenían de una adaptación orquestral de Andrew Loog Oldham de una canción de los Rolling Stones, The Last Time. El sampler en concreto era poco más corto de diez segundos y el grupo gozaba de los permisos necesarios para su uso. Sin embargo, vista la repetición hasta la saciedad de las notas en la canción y el éxito inesperado y la repercusión posterior del album, Allen Klein, que poseía los derechos de los Rolling Stones anteriores a 1970, denunció al grupo reclamando el 100% de los royalties de la canción, a pesar de que la letra de la misma era original del propio Ashcroft, reclamación a la que el grupo se opuso firmemente, alegando que usaban las mismas cinco notas pero que habían más de 50 pistas de arreglos que formaban una canción nueva. Finalmente, tuvieron que pasar por el tubo ante la amenaza de perder el juicio y haber de retirar el disco de las tiendas. En cualquier caso, lo que está claro es que mucha gente no conocería tal melodía si no hubiera sido por la maravillosa pieza musical de estos cinco británicos… o de la adaptación orquestral previa del Sr. Loog.

No obstante Urban Hymns posee otras enormes piezas alejadas de esta sinfonía agridulce, como Sonnet, The Rolling People, The Drugs Don’t Work (todas en el mismo orden de aparición del disco) o otras menos promocionadas (o utilizadas para la promoción del disco) que destacaría incluso por encima de las anteriores, como This Time, Space And Time, Lucky Man… la exaltación es inevitable. Incluso podríamos añadir que otras buenas canciones posteriores de Ashcroft en solitario como Song For The Lovers pertenecen a esta época de composición del artista.

Tras dos discos de discreto éxito comercial, en las letras de las canciones se detecta las ganas de “ver la luz” que tenía el propio grupo, de recibir el reconocimiento “esta vez sí”, tras haber analizado, haber “echado un vistazo atrás a sus vidas”, sentirse valorados, recompensados y dejar una pequeña (o muy grande) aportación a la música antes del cierre de la última gran etapa dorada del rock’n’roll. Y es que es en muchas canciones en las que se habla de introspección, análisis, cambios, de (repetimos) “esta vez sí”, pues sí, esta vez sí que la hicieron gorda y dieron a luz un disco de los que quedan para la eternidad, al que ni ellos mismos lograrían hacer sombra, de aquellos que no envejecen, que siguen sonando atemporales, como lo más oscuro de Pink Floyd o lo más punky de Offspring (por Dios, alguien me perdonará por la comparación). Tal vez el título de “This Is Music” del segundo corte de su antecesor era sólo un aviso de lo que estaba por venir, porque, señoras y señores, que nadie dude de que esto, sí es música.

Si hay un grupo cuyas letras todavía se pueden ir personificando al 100% desde la desaparición de Los Piratas, ese es sin dudarlo, los Sonotones. Cinco discos después, siguen ofreciendo un cocktail de romanticismo, poesía, quebraderos de cabeza y locura, con el mejor rocanrol del estado desde que se separaron Los Enemigos u otros tantos que mantenían un estandarte que, ahora mismo, y yo, por lo menos, no tengo ni idea de cómo ni quién lo aguanta.

Invitando a reflexionar siguen estos madrileños que lejos de ganar dinero y reconocimiento, al menos logran aferrarse a la cordura con su música. Letras complicadas (oh, sí, por Dios, dame más) no aptas para todas las cabezas pensantes, que nos siguen dando argumentos para creernos en su piel y viceversa. Y es que Javi sigue siendo uno de los letristas más en forma de este país (a mi entender, porsupuesto). Escuchar un disco cualquiera de los Sonotones sigue siendo un gran ejercicio mental, siempre que tratemos de encontrar el significado escondido detrás de cada frase, aún cuando no lo hay. Y en cualquier caso, sigue siendo un goce para nuestros oídos todavía hoy sedientos de rocanrol y de un poquito de lírica castellana inteligente que alimente nuestras pajas mentales desde el lado más senil de la cordura.

Recordar que la sangre sigue hirviendo, es más que un favor, un regalo que se nos brinda para compartir y creer que todavía darán caña para rato. ¿Comercializado? ¡Ja! De todo hay en este disco, canciones íntimas y personales, reivindicativas y críticas, lascivas y sexuales (sello propio de la casa) y porsupuesto, indescifrables, pero sobre todas ellas, mucho talento. Si hubiera una sola forma más allá de comprar sus discos y acudir a sus conciertos, de darles ánimo y pedirles que no desistan en este complicado negocio del rocanrol, la abordaríamos, pero hasta entonces, todo mi cariño para esta gente.

Os diré que me dan miedo muchas cosas, muchas más que las tormentas, y de lejos mucho más que los temblores en el cielo, seguramente muchas más que al propio Nacho Vegas, y sin embargo, sus palabras y sus canciones sirven igual para miedosos y orgullosos de atrevimiento, para sentirse reconfortado por unos breves instantes, de lo que dura una canción a una sola frase, cualquiera, la que más nos represente de estos 45 minutos de pausa y tranquilidad.

Una gran broma es lo que parece el nombre del disco, pues de sucio no tiene nada, más bien al contrario, momentos tiernos de sonrisa de bebé, de fábulas y nanas y vasitos de leche con galletas. Con una voz más que peculiar y lindas letras se nos acerca de nuevo este tipo singular con una ya reconocida (hoy por mí) trayectoria en solitario. Y es que si la primera vez que escuché el disco, me pareció un poco más que un chiste (propio de mi escepticismo), hoy me parece una lectura auditiva obligada para cualquier persona mínimamente interesada por la música y por los sentimientos. Bueno, y no vamos a mentir, digo hoy y me refiero a hace ya más de un tiempo, pues poco más de dos escuchas (y sólo una de ellas con atención) necesitó “la gran zeta” para convertirme en un adepto convencido y propagador de sus palabras. ¿Qué vas a decir cuando las críticas se convierten en alabanzas?

Pues de esto estamos hablando, no de si Nacho anduvo por aquí o por allí, o de si su evolución musical fue de color verde o amarillo, sino simplemente de hacer publicidad gratuita y escribir a los cuatro bits lo mucho que me gusta este LP. Pues sí, ¿qué pasa? Si todavía no he logrado decidir cuál es mi canción favorita… aunque estribillos convincentes no le faltan, si se propagan en masa como incendios descontrolados. Y más que los estribillos: los títulos. Porque un reloj que no tiene agujas es lo que somos todos los que disfrutamos escuchando este disco, que, joder, se hace corto (perdonad, pero alguien tenía que decirlo, no?). Ostia, es que incluso los seis minutos cuarenta segundos de Taberneros se hacen cortos. ¿Háyase visto versos más bellos? Por supuesto que sí. Que no estoy vendiendo que éste sea el mejor disco de cualquier discografía, ni mucho menos de la historia de la música en este país, en absoluto. Sólo estoy destacando lo cojonuda que es esta obra de arte, seas del estilo que seas y te gusten los grupos que te gusten. Mientras hables o entiendas el castellano y tengas un mínimo de empatía emocional, seguro lo disfrutarás y recordarás aquello de “si hoy amaneces y los pies te están doliendo, es porque estuviste toda la noche caminando por mis sueños”.

Echadle el guante a La Zona Sucia, que no tiene desperdicio, y te gustará o más o menos su voz, pensarás que es demasiado ñoña y sacarás pecho alardeando a los cuatro vientos que lo que a ti te gusta es el rock, las guitarras distorsionadas y los coros a grito pelado, pero a cascarla, deja de disfrazarte de esqueleto, calavera, que por más o menos tiempo, todos hemos sido niños alguna vez, y lo que comen las brujas son leche, galletas y a ti, corazón.

Si hay una palabra que sintetiza el contenido del álbum, una sola, esa es diversión. No caña, no tralla. Este no es un disco para fanáticos del hardcore de bombo y caja sintetizado, es más bien para aquellos que adoran la música festiva, un poquito de funky, un poquito de electro, unos poquitos coros para reír, algún temita sensiblero tirando a chill, y cómo no, algún que otro parón. Ah, y divertidas letras largas. ¿He dicho ya que el disco es muy divertido? Lo pasarás bien escuchándolo en tu reproductor portátil, caminando por la calle con ganas de sonreír, lo pasarás genial en el salón de tu casa con el álbum sonando en tu equipo de música y bailoteando sobre tu alfombra con una botella de vino en plan sibarita, con o sin pareja, y será extraordinario con tus amigos en una larga noche de fiesta. Electrónica para todos los oídos, que en momentos recuerda a Franz Ferdinand, y en otros, sigue insistiendo con Daft Punk. Paladar exquisito.

LCD Soundsystem es tal vez la obra mayúscula de un músico talentoso y sobretodo activo, puesto que antes de este proyecto, ya formó tres bandas distintas, ejerció como productor e ingeniero de sonido, e incluso tuvo su pequeño romance con los guiones para ficción televisiva en la posteriormente aclamada serie Seinfeld. Hoy por hoy ya tiene un tercer disco publicado como LCD Soundsystem, incluso alguna que otra banda sonora creada para cine (Greenberg, 2010).

Sound of Silver es uno de los mejores discos de la primera década de nuestros años 2000, y ésta, una de las bandas actuales más a tener en cuenta para todos aquellos que adoran la electrónica sin sentenciar los sonidos más britpop o el rock alternativo tan propio de nuestros días, pero sobretodo, una banda insignia en la discografía de cualquiera que disfrute, más que con la buena música, con la propia LCDiversión… jujuju.

Tres jóvenes escoceses de Ayrshire jugaban a hacer canciones pareciéndose a los grupos que idolatraban, imitando sonidos nirvaneros y poco a poco descubriendo los pedales de distorsión. De pronto, el sello Beggars Banquet se fijó en ellos y lograron publicar tres discos en tres años consecutivos, en los que experimentaron con sus instrumentos hasta encontrar un sonido un poco más personal. Con dinámicas extraídas de los Pixies, Fugazi, o los propios Nirvana, de suava-fuerte, lograron huir de los extremos para encontrar sonidos igualmente alterados pero que encajaban mejor para conformar un todo redondo. Redondo como les quedó este disco, Puzzle (con cambio de sello, ahora 14th Floor, de la Warner Bros), en el que encajaron todas las piezas para catapultarse al mainstream, éxito, reconocimiento, entrevistas en revistas especializadas, tattoos del logo en los fans, y quién sabe qué más…

Lo cierto es que son excelentes músicos, rápidos, técnicos, tres cantantes de primera línea, y sobretodo tienen muy claro cuales son sus roles para que parezca realmente complicado que un día se discutan y lo manden todo a tomar por culo viento. Simon Neil compone, escribe y toca la guitarra, influenciado por sus asuntos personales (muerte de seres queridos, amor eterno a su amada, etc), mientras por detrás y sin hacer mucho ruido, los dos hermanos Johnston tocan percusión y bajo mientras hacen los coros que todos querríamos en nuestras bandas. Riffs rápidos y muy poco lineales, contratiempos, silencios, cambios de dinámica, gritos… lo tienen todo, puesto que encima lo acompañan de melodías seductoras y pegadizas. Todavía recuerdo cuándo los descubrí, tocando de teloneros en junio del 2007, de los Rolling Stones en Barcelona, recién publicado el disco, y me dije a mi mismo y a mi hermano que me acompañaba “joder tío, cómo molan, son los Nirvana con un sonido actual”. Y es que ese neandertal sin camiseta y tatuado, con la guitarra a la altura del cuello prácticamente, ese otro neandertal pelirrojo pero con mejor vestir al bajo, y el rapado de la batería la liaron tan gorda como sus satánicas majestades, o más, y a plena luz del día. Es TAN grande salir de un concierto o festival en el que has descubierto un grupazo que no conocías hasta la fecha y llegar a casa e indagar…

Me gustaría hacer mención a sus tres anteriores discos, que a pesar de ser más dificultosos de escuchar, no tienen desperdicio por ningún lado y ya mostraban muchos indicios de calidad. Menos seguro estoy de su quinto album, Only Revolutions, que a pesar de ser bueno y seguir la dinámica, es todavía algo más suave que este Puzzle, y a mi pesar, demasiado orquestado. ¿Cosas del nuevo productor en EE.UU.? Tal vez… tan sólo espero que la mayor cantidad de recursos para sonar todavía más mainstream no les haga perder el norte y ese toque minimal, agresivo, que es lo que hacen sin más tres instrumentos y un puñado de pedales de distorsión. Prueba de ello son los directos en los que continúan sonando potentes, aunque algunas de sus últimas composiciones (“Mountains”, por ejemplo…) no lo hagan tanto.

Pero ¡atención! Se puede ser dulce igualmente sin llegar a la comercialidad, y prueba de ello es el tema acústico “Machines” del disco. En cualquier caso, desbordan originalidad, tanto en este disco, para servidor, un imprescindible de todo amante del grunge, punk-rock, etc, como en las mil y una excusas que han soltado para explicar el origen de su nombre: jugador escocés de fútbol del Ayr United, “Cliffy Biro” mal pronunciado en una noche de borrachera, acrónimo de una frase demasiado larga para escribir aquí, o nombre de otro jugador de fútbol finlandés del siglo XVII… para acabar diciendo, el propio Neil, que simplemente se trata de un nombre estúpido. En cualquier caso, queda claro que son futboleros.

Puzzle es un discazo: contratiempos ligeros, coros brutales, letras bonitas, bellas melodías, y riffs de guitarra que a más de uno le gustaría que se le ocurrieran a él. Todo ello para conseguir un sonido propio, distinto, original, y que pone al día a toda esa gente suelta por ahí que creía que el grunge había muerto con Cobain. Venga va… y lo mejorcito de todo, la energía que transmiten en directo. Por último, a ver quién descubre la relación entre la portada de este disco y el grupo irlandés Cranberries. ^^

Nueva York está de enhorabuena, o en una de sus mejores rachas en estos últimos años en cuanto a grupos nuevos se refiere, pues si desde The Strokes no me sorprendía tanto con una banda neoyorquina nueva, en poco menos de un año los Vampire Weekend y los The Drums se han hecho un hueco a base de insistencia y genialidad en mi estantería de discos. Si los primeros suenan a originales y a frescos, los segundos no se quedan cortos, aunque sí hay que decir que su sonido recuerda a The Cure, Joy Division o The Smiths, hasta a los Depeche Mode, pero con despuntes de mucha actualidad. Y es que los The Drums no son más que otra oleada de buenrollismo, aunque muchas de sus letras resulten tristes por la crudeza de sus palabras y otras hablen de rupturas y de amores inigualables. Será por la reverb o por la actitud de su cantante Jonathan Pierce, pero sea por lo que sea, estos nuevos vestidos de retro lo hacen bien, gusten o no gusten sus pantalones apretados o sus peinados “modernillos”.

Los The Drums son otro claro ejemplo de lo “fácil” que puede resultar hacer música, ya que sus canciones no se componen de más de dos o tres acordes, de un par de líneas repetitivas pero pegadizas de guitarra, armonías muy marcadas por la melodía de la voz, etc, pero es que lo complicado no está en saber tocar dos guitarras y una batería (aunque sí un poco en cantar así de bien…) sino en saber encajar las piezas de manera que el conjunto resulte tan completo y redondo. Si Vampire Weekend destacaba entre otras cosas por ser también buenos músicos y relativamente innovadores por la unificación de distintos estilos tropicales, The Drums se limitan a hacer pop eléctrico, facilón, “rasca guitarras”, pero lo que tienen en común es que ambos son igual de bailongos, buenrollistas y entretenidos, y con un especial dominio de sintetizadores (hay que decir que los dos amigos y miembros fundadores de The Drums llevaban haciendo música electrónica desde que se conocieron).

The Drums me parece un grupazo, y así de claro lo digo. Sin miedo a que suene a esta palabra que mucho se aplica hoy en día como es “hype”, ni que nadie me tache de algo que no soy (un popero de mierda), pero insisto en que hay que saber ver la calidad por encima de la forma (aunque para mí sea más complicado cuando esta forma se trate del pop), pero sobretodo saber reconocer cuando un grupo logra transmitir un feeling (hablamos de música, no de fútbol, ¡atención!), un rollito, un algo, que otros tantos no alcanzan si quiera a hacer intuir. Y además, ¡qué cojones! ¡qué carajo! Son realmente pegadizos, como la canción “Let’s Go Surfing”, escuchar a los The Drums es como montarse en una tabla de surf radiosónica y empezar a surfear acordes y melodías, es como coger un camino de una única dirección: siempre adelante, y adelante es hasta el final del disco, ya que cuesta mucho seleccionar tan sólo un corte o dos, no por no haberlos preferidos, sino porque no por ser menos preferidos apetece menos escucharlos. Ah, y hablando de preferidos, “Forever And Ever Amen” sea tal vez el mío ¿ya tienes uno tú?

El guitarrista de la banda Jacob Graham dijo en una ocasión que si la reverberación no existiera, seguramente ni se hubieran planteado formar el grupo. Yo digo que maldito el momento en que no tuve problema en verlos de lejos en el Primavera Sound de este año, ya que para entonces, y aunque parezca mentira después de haber afirmado que sería mi “El disco del año” a recomendar, la primera vez que los escuché me parecieron un poquillo lentos, faltos de ritmo y garbo… Hoy, jamás más lejos, ¡si el cantante no tiene garbo, yo no sé qué es eso! De sabios es rectificar, y todavía más, no ocultar los errores cometidos. Por suerte, The Drums estarán tocando nuevamente en Barcelona este mes de noviembre, y por desgracia, lo harán sin su segundo guitarrista que ha abandonado el grupo recientemente (así lo anunció en el facebook del grupo, dicen por ahí), y por si no fuera poca desgracia, estarán tocando a escasos 200 metros y a la misma hora de donde estarán tocando Vampire Weekend… Yo sé de otros promotores y calaña comercial a los que tampoco les iría mal rectificar ¬¬’

P.D.: Sí, efectivamente, da rabia, eh? Un post totalmente escrito por fanatismo apasionado y obsesión incondicional de “mola porque mola y punto” sin raciocinio alguno, por un grupo de poperos que no se corresponde con la puesta en escena del grungero rockero que digo ser… esta es la grandeza de la música, ¡anda que no molan!

P.D.2: Ante no saber conformarme con tan sólo un video, pongo otro más…

No sé qué tendrá la horchata para que cuatro chicos de Nueva York se fijen en ella y le pongan título a una canción (sin desmerecer eh, que a todos nos gusta servidita bien fría), pero sí sé lo que tienen estos cuatro chicos de Nueva York para que desde el CRDO Chufa de Valencia les envíen muestras de auténtica horchata valenciana hasta Los Angeles para que la degusten. Sin embargo, hay quien piensa que la canción hace alusión al Agua de Horchata, una bebida mexicana tradicional… Ahí queda. En cualquier caso, este fin de semana vampírico se hace mucho más fuerte y sediento de sangre con este segundo disco: Contra, título el cual hace alusión al mítico videojuego de los ’80 en MSX2. Y aquí están, con primos y sin ellos, trayendo más frescura y sonidos nuevos a base de reminiscencias tropicales pasadas por sintetizadores que les otorgan un sonido más moderno que presente.

Algo más que suerte hay que tener para con sólo cuatro años como conjunto ya estén encabezando numerosos carteles de los festivales más reconocidos alrededor del mundo. ¿Tal vez talento? E ideas nuevas. Y no vamos a negarlo, una voz cojonuda, enormes melodías, sonidos extremadamente agradables, ritmos bailongos como de ska pasados por un ordenador, hasta un mínimo pasable por alto de reggaeton… Sea quien sea la chica de la portada (motivo por el cual han ido a juzgado), debería estar más que satisfecha de haber sido plasmada en la portada de un LP con 10 cortes de un paladar más que notable. Alejados de lo rudo, de la rabia, de las malas apariencias y del enseñar los dientes, se refugian tras la frescura, alegría, desenfado, y ocasionalmente y en vivo, gafas de pasta. Porque tampoco vamos a negar que este grupo alternativo pueda pertenecer perfectamente a una oleada de modernos sin freno dispuestos a monopolizar todo lo guay. Pero como he comentado recientemente a través de un chat, la calidad viste de muchos colores. Y no por ser estandarte de esta corriente de la cual soy altamente escéptico, hay que desmerecer o restar mérito a lo bueno.

Me gustaría hacer especial mención a la voz cantante. Ezra Koenig, de familia judía, hace gala en ya los dos discos de la banda de un gran abanico de posibilidades con su voz. Y es que lo que podría ser un grupo de modernos, indie alternativo, una banda “de corriente”, un grupo sólo bueno “de estudio”, que pinchara por los cuatro costados en directos, entre otras cosas, por numerosos gallos a la voz, pérdida de registro, afonía y demás… sin duda no lo es ahora. No hay más que echar un vistazo a videos en ese portal que todos conocemos de esta banda en directo, o hasta en acústico (efectivamente, ya hay todo un MTV Unplugged), para darse cuenta que lo que canta este tío, lo canta de verdad, desde el diafragma, las tripas, o desde el corazón… desde donde sea, pero de verdad, y extremadamente bien. También podríamos destacar sus aptitudes como letrista, pero no sería de extrañar si tenemos en cuenta que el tipo escribió y compuso su primera canción con diez años.

Para un escéptico grungero empedernido como servidor, es una banda que entra con un “bueh, algunas canciones están bien, pero no matan”, para evolucionar a un “no están mal, son originales” hasta convertirse en un “joder, son realmente creativos, originales, y porqué no, incluso pegadizos”. Y es que de vez en cuando, al conectar tu mp3, suena una canción que te resulta muy, muy buena, muy placentera, acogedora, como descalzo por la moqueta del salón o recostado en el sofá, de buen humor, del buen rollito (¿puede ser todo esto una canción? Sí, ¡y mucho más!)… y de repente piensas “hostia, ¿y de quién era?” porque te suena pero no caes de dónde, y ahí vas en un momento de curiosidad, miras la pantalla iluminada de tu reproductor, y ¡sorpresa! Los del finde vampírico.

No sé qué pasará en su tercer disco, pero me huele que esta banda ha venido para quedarse, y si sigue evolucionando como lo ha hecho desde su primer homónimo LP con aquel single que incluso he llegado a odiar (a-punk…) pero que tiene algunas otras canciones que ya me llamaron la atención (oxford comma…), puede llegar a ser una banda más importante de lo que ya es ahora. Y no para servidor, sino para revolucionar un panorama musical que en ocasiones parece viciado al estancamiento. Con todo esto y un bizcocho, mojaremos en horchata y merendola pa la saca.

Siguiendo la línea de sorpresas agradables, The Wave Pictures y su disco Instant Coffee Baby protagonizan la que hoy nos hace soltar un “aivá”. Estos tres jóvenes británicos son una bocanada de aire fresco dentro del gran abanico de grupos nuevos lanzándose a las fórmulas radiofónicas todos a una con el mismo sonido repetido hasta la saciedad. Pues el disco que hoy presento compuesto prácticamente en su totalidad por David Tattersall, vocalista y guitarrista del grupo, contiene trece singulares cortes de melodías pegadizas y de una simplicidad llevada al extremo que nos recuerda a todos aquello de “en lo simple está lo bueno” (¿o era lo bello? Qué más da). Porque, ¿para qué darle más vueltas? Si con cuatro letras divertidas y originales, tres acordes bien encontrados, una voz peculiar y de vez en cuando un solo de guitarra bien puesto ya lo tenemos todo. O no. Nos faltaría una actitud fresca y suelta, fuera de ataduras y de elementos de iconos estereotipados, para ahora sí, poner el mantel sobre la mesa y servir un suculento manjar.

Y es que la temática central impresa en el disco y en todo el libreto que lo acompaña no es más que manteles de distinta estampa. Así de sureños son. Así de campechanos suenan. Simples. Sencillos. Ni modernos, ni con tupé, sino con una Fender Stratocaster y un puñado de buenas canciones. Pam, sin más. Ahí sueltas, todas ellas, sobre la mesa. Cada una distinta entre ellas pero que tranquilamente formarían decenas de combinaciones diferentes para un menú de ocho euros perfectamente apetecible para nuestro paladar musical. Además, gozan de una facultad difícilmente adquirible, que simplemente se tiene o no, como la capacidad de contagiar alegría. Fresca alegría. Desenfadada. No la que te hace brincar en un estallido de subidón mental, sino de la que te hace caminar con una sonrisa por la calle. ¿Hace falta algo más?

Aptitudes con los instrumentos no les faltan a estos tres jóvenes. Aunque cierto es que tampoco hacen música de virtuosos. Pero tampoco es un grupo para oídos virtuosos. Más bien es un grupo para todos los públicos, pues seguramente un espectador virtuoso no se atrevería a dejarse llevar entre ritmos marcados por aplausos, sino que restaría con actitud pasiva, analizando, y como mucho deleitándose de las artes de su elogiado. The Wave Pictures no buscan elogios, buscan divertirse y dar cabida a los montones de canciones que registran cada año. Prueba de ello son los muchísimos EP’s que se pueden encontrar por internet de este grupo desde el año 2000 en adelante, hasta que finalmente, en el 2008, publicaran este disco a manos de Moshi Moshi Records. Hoy tienen otro LP inmediatamente posterior (digo “inmediatamente” porque no tardaron más que doce meses en hacerlo) titulado “If you leave it alone”, en el mismo sello, y hoy por hoy ya contamos los segundos que faltan para la publicación de su nuevo disco este mismo mes de abril. Pero es que además, estos jóvenes no paran pues también encontramos numerosas apariciones suyas inéditas en discos recopilatorios y hasta en un compacto tributo a Springsteen.

En definitiva, “Instant Coffee Baby” es como un café que te espabila de manera instantánea desde el segundo diez de la primera canción. Un disco altamente recomendable para cualquier admirador de talento musical. Y lo digo así, porque si te encasillas en un estilo concreto y te dejas llevar por sus tendencias estereotipadas, es muy posible que este folky-pop desenfadado ni empiece a entrarte. Sin embargo, si te dejas llevar y le dedicas un par de escuchas, es muy posible que desde la primera ya te conquisten. O así me ocurrió a mi.

El present any arriba a la fi i comencen les apostes sobre els propers títols que batran rècords de taquilla arreu els set continents. Durant aquest any hem vist pel·lícules de tota mena, marcades per una gran tendència de reviure superherois del còmic, reprendre clàssics de la literatura amb nous remakes sota les possibilitats actuals del cinema digital, i comptades noves apostes arriscades amb diferent èxit, de cineastes reconeguts i d’altres nou benvinguts. Tot i així, sembla ser que la tendència es prolongarà durant l’any vinent, segons les estadístiques estudiades per mitjans especialitzats, amb moltes promeses de noves estrenes amb reminiscències dels anys ’80, potser per un sentiment de nostàlgia, o potser promoguts per la estreta situació econòmica general. En qualsevol cas, presentem el que prometen ser, les estrenes més esperades de l’any vinent.

Dins d’un futur clarament marcat novament per noves estrenes recuperant personatges del còmic, trobem films com “The Green Hornet”, “Jonah Hex” o “The Losers”, també seqüeles de ja títols habituals com una nova entrega de “Resident Evil: Afterlife” encara amb Mila Jovovich, o nous films que es sustentaran gràcies als papers d’actors reconeguts com Johny Depp a “The Rum Diary”, o Denzel Washington amb “Unstoppable”. També hi ha lloc per a adaptacions de videojocs, com “Prince of Persia: the sands of time”, per a noves interpretacions de clàssics literaris com “The Wolfman” o “Gulliver’s Travells” (amb Jack Black), i noves creacions digitals de Dreamworks, “Oobermind”. Robert Rodríguez ens presentarà “Predators”, una nova entrega del món Depredador que promet fer-nos oblidar les desastroses Alien vs Predator. Tanmateix, apareixeran al llarg de l’any noves estrenes que mantindran la història de les Cròniques de Nàrnia, o la del verdós i simpàtic Shrek. Com es preveia, hi haurà lloc per a tot tipus de títols i per a tots als gustos a les sales de cinema del país. Però centrem-nos en els que molts mitjans prometen són les 10 estrenes més esperades de l’any vinent.

10. Eclipse

La saga “Crepúsculo” continua amb una nova entrega que presentarà el conflicte entre vampirs i homes-llop, al més pur estil Underworld, amb la protagonista Bella al mig. Amb un nou director, novament: David Slade.

9. Alice in Wonderland

Tim Burton torna amb la seva visió del clàssic de clàssics, amb la història de la jove Alícia, i acompanyat del seu idoletrat Johnny Depp, i la seva fidel Helena Bonham. Danny Elfman és l’encarregat de la banda sonora, com ho va ser en altres pel·lícules del director. No obstant, aquesta adaptació del clàssic literari promet mantenir-se original doncs representa una continuació del que tots coneixem que va passar al llibre.

8. Inception

Thriller de ciència ficció, dirigit per Christopher Nolan, autor de Batman: el caballero oscuro. Leonardo Di Caprio protagonitzarà un home de negocis, subornat per un altre actor de la nova saga Batman, Ken Watanabe.

7. The Expendables

Dels anys ’80, una història d’un grup de mercenaris enviats en una missió per acabar amb un conflicte a Sudamèrica. El film promet reunir a Sylvester Stallone, Dolph Lundgren, Bruce Willis i Arnold Schwarzenegger. Una explosió de testosterona.

6. The A Team

Sembla mentida però sí. L’equip A ha tornat. Mr. T amb M.A. i la seva antiga furgoneta, prometen mantenir-se fidels a l’esperit que ja tenien fa dècades, amb una mica més de violència que aleshores però el mateix tipus de sentit de l’humor irònic després de cada enfrontament.

5. Toy Story 3

Poc a dir també sobre el retorn de Buzz Lightyear, només a destacar el gran resultat visual que prometen aconseguir amb el suport de cinema en 3D. A més, es mantindran recolzats per un bon guió que situa la història 10 anys després de la última entrega, cercant una nova llar després de que el seu propietari abandoni la casa per anar a estudiar a la universitat.

4. Shutter Island

Martin Scorsese amb Leonardo Di Caprio a una institució mental amb una desaparescuda pacient. Un interessant thriller psicològic que tornarà boig a Di Caprio.

3. Robin Hood

Ridley Scott dirigeix a Russel Crowe en una revisió de la clàssica llegenda anglesa que promet donar molt a parlar.

2. Harry Potter and the Deathly Hallows: Part I

Efectivament, torna el (ja no tant) jove Harry Potter amb la seva última part, dividida en diferents entregues. La 2ª sembla que s’estrenarà a mitjans del 2011. Res a dir pels que ja coneixen la història escrita des del 2007, i pels que no la coneixen, només aventurar que sembla que l’atmosfera de l’escola Hogwards es veurà trencada per una marcada acció a l’exterior, comparada amb les entregues anteriors.

1. Iron Man 2

I tot i que sembli mentida, tot indica que la pel·lícula més esperada o més taquillera (com es vulgui interpretar) de l’any vinent serà la segona part d’Iron Man, amb la inclusió de Scarlett Johansson com a Black Widow. Tindrà algo a veure en aquesta expectació creada, les corves de la nova actriu en el repart?

Article publicat al nº101 de la revista Pack de So, B.F.

Romy Madley, Baria Qureshi, Oliver Sim, Jamie Smith: cuatro nombres que a priori no significan nada. Exactamente lo mismo que debían significar los nombres de los miembros de Sonic Youth en sus inicios. Sólo por poner un ejemplo, eh. Oh, escándalo, ¿estará comparando a estos rookies con los grandes y no-sólo-ruido Sonic Youth? Porsupuesto que no. Pero sí creo que The XX, con este primer LP, demuestran unas ganas y una osadía por experimentar, probar, e intentar resultar diferentes. Exactamente igual que Sonic Youth en sus inicios. Con una diferencia: si Sonic Youth buscaba la diferencia en los distintos sonidos que podían extraer de la distorsión y saturación, The XX optan por la vía totalmente opuesta: un sonido limpio, minimalista a rabiar, dos guitarras prácticamente sin acordes (y en ocasiones tan sólo una), un bajo muy lineal, teclado “auxiliar” (que no me lea ningún teclista, porfavor), y una caja de ritmos con mucho gusto, gracias. Ah, claro, y dos voces que rozan la línea entre la sensualidad y la sensibilidad extrema. De esas que parecen decir, “acércate a tirarme los trastos que soy tímida”.

Poca broma y vamos con la estadística. The XX entraron directamente con su disco debut en el puesto 9º de la lista de Los Futuros 50 de la revista NME. El LP salió a la venta el último 17 de agosto y el 18, su single “Crystalised” ya era elegida canción de la semana. El próximo 9 de noviembre actúan en Barcelona (Razz 2) y las entradas están agotadas (no, yo no tengo una…). Y todo esto con una música cercana al chill-out, según algunos “indie” (esa extraña palabreja, sí), y según otros “dream-pop” (¿qué coño será eso?). En cualquier caso, esto puede querer decir que algo está cambiando. O simplemente que andamos tan estresados que necesitamos música capaz de relajarnos sin llegar al extremo de hacernos dormir de aburrimiento.

Porque XX no es un disco con el que aburrirse, nada más lejos, es un disco que cautiva, corto, sí (si hay alguna pega, es esa), pero que gracias a esta breve longitud nos deja con (muchas) ganas de más. Además que porqué quedarse corto, la voz femenina que nos canta al oído es toda una delicia (que bueno, el chico tampoco lo hace mal, vale), y construyen melodías pegadizas, pero no pegadizas al estilo radiofórmula, sino pegadizas de las que caminan contigo metiéndose en tu cama casi sin darte cuenta. Y no es poco meterse en la cama de alguien sin que éste se dé cuenta, y mucho menos con esas pintas de vestimenta oscura, triste, depresiva, rozando la antisociabilidad (eso sí, que no falte la gomina en el cabello). Pero no seremos nosotros quien juzgue, pues quien esté libre de pecado que tire la primera piedra.

Es un disco que me ha recordado lo sano que es arriesgar, y que cuando sale bien, la sorpresa es todavía mayor, gratificante y satisfactoria. Claro que, no siempre nos salimos con la nuestra, pero mientras el riesgo sea tal como comprarse el disco de un grupo la primera vez que lo escuchas, ya ves tú. La única (segunda) pega que le podríamos poner al disco y al grupo, es que en su versión vinilo (que porcierto, suele ser más cara) incluyen un bonus track inexistente en el formato CD. Está claro que por muy “guays” que sean, lo que se lleva es lo que se lleva y las tendencias son las tendencias.

Para que esta última crítica no haga mella en el santuario de alabanzas que he intentado levantar hacia The XX, os invito a explorar sobre este grupo y a escuchar su primer disco autoproducido (¡sí!).