El cinema fantàstic torna a Sitges

Ja està aquí la 42ª edició del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, més conegut com el Festival de Cinema de Sitges. Serà a partir del 2 d’octubre fins al 12, i tornarà a reunir als millors dels coneguts i dels encara per conéixer, tot plegat amb un sonat homenatge a una de les obres més importants de Ridley Scott: Alien.

Així és, senyores i senyors, ja falta poc per a que arribi una de les cites més importants amb el cinema a Catalunya, el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges es presenta el proper mes d’octubre i promet ser una de les edicions més especials. Per què? Doncs perquè entre d’altres moltes coses de les que ara xerrarem, la seva imatge i temàtica s’ha inspirat al voltant del film Alien: el vuité passatger, que aquest any cel·lebra 30 anys des que Ridley Scott la va poder estrenar. És per això que es projectarà la millor versió (segons el director) de la pel·lícula durant el festival, reunint a diversos convidats dels que encara no s’ha desvetllat el nom.

A més, el festival és una capsa de sorpreses i aprofita per a presentar al públic català i espanyol la segona part de REC, el film català que va arrassar en l’edició de fa dos anys i després en els cinemes de tot l’estat, arribant a inspirar a productors nordamericans per a fer-se amb els drets d’una versió yankee. REC 2 és l’encarregada d’estrenar el festival. La pel·lícula de terror en primera persona (i no, no té res a veure amb el Projecte de la Bruixa de Blair), continua quinze minuts després dels fets de la preqüela, amb nous reporters de televisió i forces armades que volen entrar a l’edifici a cobrir els misteriosos fets que s’esdevenen. Sembla que Jaume Balagueró, Paco Plaza i la nena Medeiros encara no s’han cansat de fer-nos saltar de la butaca.

Es presentaran també les novetats més destacades del cinema fantàstic i de terror arreu del món en les diferents seccions del festival, com ara en la Secció Oficial Fantàstic, on es podrà gaudir de Thirst, un film vampíric de Parck Chan-wook, Yatterman, adaptació japonesa homònima del còmic, Crows II, també de Takashi Miike, Grace, defensant el cinema independent nord-americà de terror, de Paul Solet, o la guanyadora del Premi a la Millor Pel·lícula al Festival Internacional de Cinema d’Edimburg, dirigida per Duncan Jones, Moon. Aquests són només alguns dels títols de l’ampli catàleg de pel·lícules que s’hi veuran representades en aquesta secció.

També s’hi veurà representat el cinema català i espanyol, amb Orphan (Jaume Collet-Serra) i Ingrid (Eduard Cortés) entre d’altres. A més, el cinema europeu ens porta The Countess, de Julie Delpy, despertant a la comtessa Dràcula, o Ne te retourne pas, de Marina de Van.

El Festival també ens porta seccions com Anima’t, dedicada al cinema d’animació, Orient Express, amb el millor de les arts marcials orientals, o una de les novetats de la present edició: el Cinema en 3D, amb projeccions destacades com The Final Destination o Toy Story 3D.

Una altra novetat destacada d’aquesta edició és la retrospectiva Els altres fantàstics, amb revisions de produccions catalogades com a cinema atípic, i produïdes per autors catalans i espanyols.

Altres seccions importants del festival són Noves Visions, amb l’aposta pel terror històric i realista, Nova Autoria, en col·laboració amb l’SGAE i presentant a nous valors del cinema fantàstic, Seven Chances, amb projeccions com ara Youth without youth, de Francis Ford Coppola, Midnight X-Treme, amb projeccions de títols delirants a mitjanit, i la col·laboració de Catalan Films & TV amb activitats paral·leles com sessions de ficció interactiva, xerrades, jornada sobre videojocs i indústria de ficció, o la presentació de productors mexicans que coproduïran amb els homònims catalans.

Aquest any, Sitges, a més dedicarà especial atenció a la figura dels morts vivents amb una nova edició de la Zombie Walk, a més de la ja esmentada al film d’Alien, amb la presentació d’una sèrie de pel·lícules inspirades en aquest títol, dins de l’espai After Alien.

Des de la revista Pack de So us convidem a tots a assistir a la multitud d’activitats i projeccions de la present edició del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, on fins i tot els més escèptics que necessitin veure per creure, no podran creure molt del que veuran.

El festival

El festival de Sitges és un dels premis més reconeguts a Europa i és considerat com a un dels més importants en l’especialitat fantàstica. Des de la seva fundació l’any 1967, s’ha cel·lebrat cada any a Sitges, apropant-nos el millor del cinema internacional fantàstic, activitats i jornades especials i temàtiques, i sonats homenatges a clàssics de culte. A més, sempre ha reunit cel·lebritats com ara Anthony Hopkins, Quentin Tarantino, David Lynch, Guillermo del Toro, Rob Cohen, Àlex de la Iglesia i molts més.

Article publicat al nº 98 de la revista Pack de So, B.F.

For Emma, Forever Ago por Bon Iver

“And I told you to be patient, and I told you to be fine, and I told you to be balanced, and I told you to be kind”, con estas palabras empieza el estribillo de una de las canciones de este disco. Con estas mismas palabras empieza a ponerse la piel de gallina cada vez que suena la canción Skinny Love en mi equipo de música. For Emma, Forever Ago es el primer disco del grupo del cantautor norteamericano Justin Vernon, Bon Iver. Un interpréte que fue capaz de escupir sufrimiento y dolor en forma de nueve canciones preciosas capaces de transportarnos a un estado altamente emocional y sensible.

Tras la ruptura de la banda DeYarmond Edison, y de su larga relación afectiva con su novia mientras se encontraba sumergido en la lucha con la mononucleosis hepática que le había sido diagnosticada, Justin decidió trasladarse a la pequeña cabaña de su padre al norte de Wisconsin. Fue en busca de soledad y un clima frío que le ayudara a reponerse de los recientes acontecimientos, que le ayudaran a madurar y guardar reposo para sobreponerse a su enfermedad. Pasaba largos días mirando películas y series de televisión, entre ellas Doctor en Alaska, donde escuchó dos palabras que le gustaron: “bon hiver”, “buen invierno” en francés. Al principio, Justin lo transcribió como “boniverre” pero cuando investigó sobre el francés escrito decidió desestimar el nombre pues “hiver” le recordaba demasiado a “liver”, hígado en inglés, y la fuente de su enfermedad.

Poco a poco se fueron cociendo en su cabeza ideas que tomarían forma con un pequeño equipo de música que se había llevado a la cabaña: una vieja guitarra acústica Silvertone, un viejo micrófono Shure, y la vieja batería de su hermano. Además, se juntó con varios artilugios que según él cualquiera podría recopilar trasteando por el garaje de casa. Empezó a grabar acordes de guitarra, a los que sumaba melodías de voz tarareadas. Una vez tenía la melodía exacta que buscaba, empezaba a pensar en la letra de forma que las sílabas encajaran exactamente. A esto le sumaba acompañamientos de batería y muchos overdubs y loops de voz. Así recopiló un buen número de canciones autoproducidas que no pretendía publicar sino guardar para lo que pudiera surgir en un futuro. Sin embargo, dejándose llevar por las buenas críticas de sus amigos a los que había mostrado algo de su material, decidió editarlas tal y como estaban en forma de EP. Posteriormente, firmaría con el sello Jagjaguwar, que editaría las canciones como merecían en forma de LP. A partir de este momento, Justin decidió continuar con el proyecto Bon Iver sin contar con ingenieros ni productores pues consideraba que sería capaz de hacerlo todo por si mismo.

For Emma, Forever Ago es un disco intimista, sencillo, con un sonido que algunos medios han criticado diciendo que no se entienden las letras, e incluso que se escuchan los movimientos de la mano sobre el mástil de la guitarra por la escasez de postproducción. Sin embargo, yo considero que estos detalles lo convierten todavía en un disco más auténtico y que tan sólo con el tono de voz de Justin ya consigue suplir cualquier carencia de postproducción. Además, en algunos conciertos, incluso se han dado partituras y letras al público para que colaborasen cantando y llenando las canciones del sonido que se reproduce en el disco. Según Justin, ha hecho esto porque no quiere ser el clásico tipo con su guitarra delante de una audiencia, y porque las canciones pierden fuerza sin los overdubs. ¿Que pierden fuerza? Ni de coña, tan sólo hay que buscar alguna actuación de Bon Iver en youtube para darse cuenta que quizá pierdan resonancia, pero fuerza nunca jamás. Y mucho menos sentimiento, feeling.

De vez en cuando algún amigo me recuerda que en la música y en los buenos cantantes no todo es la pasión y la rabia contenida. Que hay que saber transmitir ese feeling. Sin duda este es un disco repleto de ese feeling, si es que lo asociamos con la emoción y el sentimiento. Hay quien dice que las mejores obras se crean en el peor momento de la vida de sus artistas. Y no siempre es así, pero en ocasiones es indudable que llevan razón.

BAFF 2009: 11è Festival de Cinema Asiàtic de Barcelona

Del 30 d’abril al 10 de maig s’ha cel·lebrat a Barcelona la 11ª edició del festival BAFF, encarregat d’apropar-nos el cinema més selecte des de la India fins al Japó. S’han presentat un total de més de 60 pel·lícules, on “Breathless” de Yang Ik-June ha estat la gran triomfadora. Carregat de subtítols, el BAFF suposa una oportunitat per a gaudir de veritable cinema independent no comercialitzat en el nostre país, a més d’apropar-nos a la manera d’entendre el cinema per cultures tan diferents a la nostra. A continuació presentem un petit resum de lo més destacable del festival, amb les principals guanyadores pel criteri del jurat i del públic.

Durian d’Or: Breathless, Yang Ik-June (Corea, 2008)

El film del llicenciat en Ciències de la Comunicació i format pel cinema independent va presentar una pel·lícula violenta, on ell mateix feia de protagonista però que en cap moment perdia ritme en el guió. Reconeguda pel festival de cinema de Rotterdam o Las Palmas, i guanyadora del Durian d’Or en aquesta edició del BAFF, Breathless presenta una història en la que la violència és pagada amb més violència, sent les primeres víctimes, els causants dels propers drames. El protagonista Sang-hoon és un gàngster amb un passat dramàtic, on el seu pare alcohòlic va matar a la seva mare i a la seva germana. No té confiança en l’espècie humana i actua sense remordiments fins que coneix a una jove amb un mateix passat violent. La noia, que no presenta cap tipus de por cap en Sang-hoon tot i saber dels seus actes, desperta un sentiment en el gàngster que desoneixia fins aleshores. Els fets començaran a alterar-se en el moment que el germà de la jove noia comença a col·laborar en l’organització del protagonista.

Premi Netpac: Claustrophobia, Ivi Ho (Hong Kong, 2009)

El segon premi més important en el BAFF era el Netpac, otorgat per la Network for the Promotion of Asian Cinema, una organització mundial creada el 1990 i encarregada de promocionar el cinema oriental arreu del món. Claustrophobia és un film d’amor i drama al mateix temps. Presenta una oficina d’una empresa dedicada al marketing, on treballa una jove anomenada Perla, que es sent, cada vegada més, atreguda pel seu cap, Tom, un home adult, casat i amb fills. El grup de treball el componen John, un gran treballador i Jewel, una joveneta sempre predisposada a tontejar amb els seus companys. Finalment, front l’ansietat de Perla per mantenir una relació amb el seu cap, aquest li demana que deixi el seu càrrec a l’empresa en favor d’un amic. La pel·lícula relata la història a través de vuit flashbacks en el temps, coneixent el desenllaç des de bon començament i permetent a l’espectador anar descobrint la direcció dels aconteixaments.

Premi Cinematk: Serbis, Brillante Mendoza (Filipinas, 2008)

El premi Cinematk és l’encarregat de recompensar al seu guanyador amb la distribució del seu film a la península, així com de projectar-lo al canal de televisió de pagament del mateix nom. La pel·lícula presenta a la família nombrosa Pineda, que viu en un antic cinema barroc. Mentre alguns membres de la família es dediquen a viure i treballar, recorrent la majestuosa sala de projeccions, alguns altres (els més joves) descobriran els secrets i sorpreses que guarda l’espai, revelant-se com a un lloc amb un microcosmos propi i amb més vida de l’aparent. Film surrealista, pel·lícula àrida però a l’hora tendra, que farà que ens vulguem apropar cada vegada més a aquesta peculiar família.

Premi D-Cinema: Jay, Francis Xavier Pasion (Filipinas, 2008)

Aquest és un premi a la millor pel·lícula en forma D-Cinema. Jay és una crítica camuflada, on un professor d’escola homosexual és brutalment assassinat. Abans que es descobreixin els fets, un director de cinema té la idea de realitzar un reality show dins de l’escola, involucrant tant a estudiants com a la família del professor. El morbo es troba en que la família encara desconeix de la mort del seu parent. Així es presenta el conflicte: podrà un cruel assassinat real convertir-se en el motiu d’entreteniment de milers de persones? Què en pensarà la família?

Premi del públic: Love exposure, Sion Sono (Japó, 2008)

El premi del públic se’l va endur la última pel·lícula del conegut director japonés, Sion Sono. És una comèdia on un jove anomenat Yu, fill d’una família molt cristiana i creient, és ordenat pel seu pare a convertir-se en sacerdot. Però per accedir-hi, primer ha de confessar els seus pecats. Pecats que un jove innocent encara no ha comés. D’aquesta manera, Yu es dedica a actuar malament intencionadament per a tal de tenir arguments de confessió. Tot i així, la seva persona salta a la popularitat quan es descobreixen unes fotografies on ell mateix es troba remenant-se entre roba interior femenina secretament. A més, l’aparició en la seva vida de Yoko, l’involucrarà en una secreta secta que encara ho complicarà tot molt més. Un film excel·lent que va contentar a tots els espectadors per igual, tant a seguidors del mateix director com a escèptics del gènere.

Article publicat a la revista Pack de So, B.F.

Smash, por Offspring

Tras un inmerecido descanso, volvemos a las andadas por la puerta grande.

Smash es –de por vida- un discazo. Así como Green Day tiene su Dookie, o Rancid tiene su …And out come the wolves, Offspring tiene este increíble Smash que sigue siendo su mayor éxito de ventas y el disco más vendido de la escena punk-rock independiente de los ’90 con más de 16 millones de copias en todo el mundo. Recientemente se ha reeditado en su versión remasterizada.

Si Ignition (1992) ya fue un disco que cubrió sobradamente las expectativas de productores de Epitaph y del propio grupo, lo que vendría dos años después no les cabría en las manos. En octubre de 1993 la banda alquiló durante dos meses los estudios de grabación Track Record en Hollywood para entrar a grabar nuevo material. Para fin de año, la nueva descarga musical ya estaba registrada y preparada para editar, masterizar, diseñar y triunfar. El 8 de abril de 1994, Smash salía a la venta.

El disco llegó a estar en el puesto número 4 de la Billboard Chart de EE.UU., todo un éxito para un grupo de escena independiente de la época. La mayor parte de la culpa la tuvieron los singles extraídos del LP: “Come out and play” fue quizá el que obtuvo mayor repercusión e inmejorables críticas, seguido de “Self esteem”, “Gotta get away” y “Bad habit”. Siendo todos ellos (pero sobretodo los dos primeros) carne de cañón para emisoras radiofónicas y empezando como una explosión repentina como lo hizo Nirvana con Nevermind, el disco agrupaba un sonido punk-rock oscuro (y un tema ska, sí, sí…), agresivo, pero lleno de melodías pegadizas que lo hubieran tachado de pop si no hubiera sido por la velocidad y la distorsión de sus guitarras.

Además, líricamente, las canciones son tan variadas como la vida misma, tratando temas sociales como la violencia y las armas en los colegios; otros, temas más emocionales, adolescentes tal vez, como la sumisión y la renuncia a la autoestima por la persona amada, e incluso temas personales o autobiográficos, pues según el propio Dexter (cantante de la banda), “Gotta get away”, a diferencia de “Self esteem” (al parecer ésta habla de un amigo suyo y no de él), trata la presión que sentía cercana la fecha del cierre de grabación del disco. Y otra cosa también dentro del aspecto lírico, el disco está muy bien construído a base de coros acertados. Qué importantes son los coros…

Sin duda, la insignia de este Smash, aparte de sus canciones, es la portada del album. Un esqueleto visionado como por X-Ray, que pretende transmitir la descarga que supone el contenido del disco: rabia, sentimientos de muerte, suicidio, violencia, más adicción y abuso. Vaya tela.

Smash fue el disco de la escena independiente más vendido después de Gish de The Smashing Pumpkins de 1991, y en 1994, uno de los discos más vendidos, junto al ya comentado Dookie de Green Day. En cualquier caso, todo lo que ocurriera después, es cuestionable. La trayectoria de Green Day y la de Offspring, aunque igualmente longevas y en activo más de 15 años después, dejaron de ser paralelas para de alguna forma divergir en distintos puntos. El resto es cuestión de gustos.

Aunque (sí, no puedo evitarlo) el siguiente Ixnay On The Hombre fuera un muy buen disco, no estaría más que un poco por debajo de Smash, siendo un producto nuevo tejido con el mismo patrón. Me atrevería a hipotizar públicamente que el propio grupo era consciente de esta estratagema y no del todo seguros de qué hacer después, decidieron tomarse un largo letargo de varios años hasta que apareciera Americana, y con él, videoclips en todos los canales de televisión y emisiones en todas las emisoras de música pop. Además (sí, se ha abierto la lata), en casi todo lo que vendría después, habría al menos una o dos canciones con clarísimas reminiscencias de este ENORME Smash. Y aquí me muestro condescendiente al utilizar la palabra “reminiscencias”.

En cualquier caso, y críticas aparte, Smash es brutal, increíble. Es un discazo y este grupo lo sabe pues por muy inestables que sean en directo se siguen apoyando mucho en lo que un día fueron aunque su frontman Dexter se cortara el pelo y dejara de dar botes y toque cada día menos la guitarra. Cada uno envejece a su manera y es totalmente respetable. Además, es de bien nacido el ser agradecido, y cuando no eres más que un niñato adolescente, guiri, en los EE.UU. y llevas, orgullosísimo de ti, tu camiseta achinada y hecha polvo de tu disco favorito del que un día fue tu grupo favorito, pegando botes escuchando a Bad Religion en un Warped Tour en San Francisco, y cada individuo que podría ser tu amigo si hubieras nacido en ese país demasiado grande, te para para darte la mano y decirte “Hey man, I like your shirt” y te levantan su dedo pulgar, tú con cara de tonto sólo puedes sonreír y asentir con la cabeza, y por dentro dar mil gracias por lo que un día fue y nunca jamás se volverá repetir. Un disco irrepetible de un grupo repetitivo.

The Empyrean, por John Frusciante

El 20 de enero de 2009 salió a la venta el 10º album de estudio en solitario de John Frusciante, guitarrista de los Red Hot Chili Peppers. Parecen muchos discos y lo cierto es que lo son para un guitarrista “a priori” tan ocupado con una banda de éxito. Sin embargo, si tenemos en cuenta que cinco de éstos se publicaron en un año y con una extensión rara vez superior a la media hora y de producción bastante minimalista, el listón rescinde un poco su altura. Además, los primeros dos discos son de calidad cuestionable (que me perdonen los fanáticos que proclaman el Niandra LaDes como su mejor disco), habiendo incluso retirado de la venta el segundo por el bajo nivel que presentaba y por las connotaciones del momento del artista. Así podríamos ir sacando punta a esta lista de discos en solitario hasta quedarnos con sólo tres LP’s: To record only water for ten days, Shadows collide with people, y The Empyrean.

The Empyrean fue registrado entre 2006 y 2008 y refleja una historia, conceptualmente, entre un individuo y sus otros Yo que en él habitan. Así, el propio Frusciante lo proclama como un album conceptual que hay que escuchar “a volumen muy alto y en una habitación a oscuras”. El disco ha recibido críticas notables por la prensa especializada, situándolo en la Billboard americana en el puesto 151 de salida y en las listas británicas en el 105. No se planea ninguna gira de presentación pues John prefiere dedicarse a seguir componiendo y escribiendo. The Empyrean cuenta con la colaboración de su amigo y compañero de banda, Flea, al bajo, también del miembro fundador de The Smiths John Marr y el habitual en sus discos Josh Klinghoffer, músico desde la adolescencia que también acompañó a los RHCP como guitarrista y corista auxiliar en la gira de Stadium Arcadium.

El disco presenta nueve temas originales y una versión de “Song to the siren”, del disco de 1970 de Tim Buckley, Starsailor. En cuanto al resto, canciones melódicas, con guitarras que nada tienen que ver con el funky que transmite a las seis cuerdas en su banda principal y grandes ejercicios de voz, desde falsete a otros registros y doblándose en múltiples pistas. Personalmente, destacaría del disco pistas como la introductoria “Before the beginning”, tema instrumental de nueve minutos con una de las guitarras más destacables de todo el LP y una batería a tempo tranquilo pero muy acertada. Además, “Unreachable”, “God” o “Dark/Light” son temas con una melodía muy acertada junto a multitud de efectos de sonido doblando la voz, delays de guitarra y mucha composición sobre teclado. Quizá uno de los mejores temas del disco sea “Central”, otro de los temas largos de más de siete minutos y quizá el gran éxito del album.

Con letras muy sinceras y personales, Frusciante sigue haciendo gala de su particular forma de ver la vida y sentir la energía que le rodea, quizá lagunas de su profundo contacto con las drogas duras en periodos pasados de su vida, pero gracias a las cuales ha logrado salir de ese profundo y temible pozo. Siguiendo con la canción “Central”, el loop lírico final que expresa “you gotta feel your lines” puede que sea el que mejor refleja este sentimiento, expresando la obligación del artista a sentir las letras que escribe. El loop completo dice así: “I’m dreading a time that is not near, as a man on a cross I have no fear, I can’t believe this words I’m saying, you gotta feel your lines, you gotta feel your lines…”.

Nuevamente, Frusciante muestra su talento musical incuestionable, aunque, otra vez, nuevamente, quizá sin llegar por igual a adeptos seguidores suyos y escépticos de su carrera en solitario. Algunos seguirán esperando el definitivo disco de John Frusciante que le catapulte al posible éxito que merece en solitario, pero el caso es que quizá ese disco definitivo no se pueda sintetizar en un compacto, sino que está disperso en toda su obra, junto a RHCP y en solitario. Un hombre con un mensaje claro, intimista, el que la vida que él ha conocido le ha mostrado. Pero obviamente, no todos vivimos la misma vida, y todavía menos de la misma manera, por lo que para alguien alejado del “mainstream” como él, su reconocimiento debería llevar años reafirmado. En cualquier caso, dudo que su intención de sacar un disco en solitario sea la de catapultarse a la fama, pues de alguien que ha renunciado a una Fender Signature Series en múltiples ocasiones, difícil sería concebir que el objetivo de la fama sea el suyo. Más bien el de la necesidad de expresarse creativamente y compartirlo.

X-Men Origins: Wolverine, les arrels del llop

Si en el número anterior parlàvem de Watchmen, ara no ens separem del món del còmic per tal de presentar-vos el nou episodi d’X-Men: L’orígen de Wolverine.

Tota història té un començament, i aquest film ens trasllada als primers dies de la vida de James Logan, “l’home-llop” de la patrulla X. Els successos tenen lloc molt abans que Logan sigui implantat amb un esquelet metàl·lic indestructible. Concretament, ens transportem 20 anys abans dels esdeveniments narrats a la trilogia filmogràfica d’X-Men, explicant els fets violents i romàntics de Wolverine, juntament amb la seva complicada relació amb Víctor Creed (més conegut com a “Dents de sabre”) i el sinistre programa Weapon X. Durant l’aventura, el jove Wolverine es trobarà amb diferents herois de Marvel, així com amb membres del grup protagonista de la patrulla de joves, i algun de nen.

En aquesta nova entrega, Hugh Jackman continua representant a Wolverine, mentre que el paper del jove l’interpreta Troye Sivan. Repassant l’inici del projecte, el mateix Hugh Jackman, va col·laborar en l’el·laboració del guió un cop s’havia decidit que la pel·lícula formés part de la saga filmogràfica X-Men. La idea inicial incloîa una escenificació fosca i violenta, més propera a la tendència iniciada amb Sin City de Frank Miller, contrària al que Jackman tenia en ment. Tot i així, el resultat final dependria dels filtres dels productors i director final, Gavin Hood. Cal a dir, que la direcció del film havia estat proposada a Zack Snyder, però aquest va refusar l’oferta doncs es trobava completament inmers en la realització de Watchmen. El director Hood va afirmar que el gran atractiu de Wolverine es trobava en el fet que d’alguna manera el personatge estava inmers en un món d’auto-odi i contradicció front la seva pròpia natura, en guerra constant contra sí mateix. La pel·lícula es focalitza en temes com la lluita interna del protagonista entre el seu estat salvatge animal i les seves qualitats nobles humanes, establint clares similituds amb el personatge del film Watchmen, Rorschach.

S’ha especulat amb la possibilitat d’una segona part del film amb Japó com a escenari principal, tot i així, aquesta no és la prioritat de Jackman, que prefereix definir i sintetitzar qui i perquè Wolverine és tal com és. El que sí sembla evident però, és que aquest pot ser l’inici d’una nova sèrie de “sub-sagues” on es vagi relatant l’orígen de diferents personatges de la patrulla X-Men.

Com a algo més que un fet annecdòtic, s’ha de dir que una versió inacabada de la pel·lícula va ser descarregada de la xarxa per 100.000 usuaris. En la mateixa, no apareixien efectes especials, però sí un fons verd-croma en moltes escenes, així com els cables d’on penjaven els actors. L’FBI està investigant aquests fets per a trobar els causants d’aquesta difusió.

Wolverine: el personatge

Wolverine va ser creat per Len Wien, Herb Trimpe i John Romita i després més desenvolupat per l’escriptor Chris Claremont i l’artista John Byrne. Claremont i Frank Miller però van establir importants trets del seu caràcter, donant lloc a un eslògan propi del personatge que engloba la seva filosofia i forma de ser de forma sintetitzada: Soc el millor en el que faig, però el que faig no és massa agradable.

Aspectes clau de Wolverine són la seva habilitat per a regenerar-se de qualsevol farida per molt greu que sigui, de la mateixa manera que aquesta habilitat el fa envellir molt lentament, fent semblar que té només 30 anys quan en realitat sobrepassa els 200. També és aquesta habilitat la que protegeix la seva ment, esborrant qualsevol record traumàtic i fent que no recordi el seu passat. A més, el seu propi nom prové d’un altre tret característic com és el fet que menja molt. Tot i així, el seu tret principal i pel que tothom el reconeix són les arpes metàl·liques que surten de les seves mans. Aquestes són un annexe del seu esquelet, que té aquesta aparença metàl·lica arrel de l’implantació d’adamantium, un tipus de metall.

La història de Wolverine té inici al segle XIX, quan va néixer James Howlett, a Alberta, Canadá. Fill d’Elizabeth i John Howlett, el petit va néixer malalt i dèbil, i a més de patir una severa asma, la seva mare no l’atenia amb cura doncs es trobava distant després de la mort per causes no explicades del seu primer fill. Així, el jove James es va trobar a càrrec d’una jova anomenada Rose, contractada pels seus pares. James i Rose s’ho passaven en gran jugant amb un altre jove, Víctor Logan, fill del cruel Thomas Logan, guardià dels terrenys de la Mansió dels Howlett. Aquest ambient plàcid canviaria radicalment quan el pare John Howlett va despatxar a Thomas després d’uns incidents també desconeguts. Thomas, inmers en un atac de ràbia assassinaria a la parella John i Elizabeth a trets d’escopeta. La mare del jove James, abans de morir però, va confessar que el veritable pare del seu fill era el propi Thomans Logan. Després d’aquests fets, James manifesta els seus poders mutants i cercant venjança, mata el seu pare de sang i deixa al seu germanastre malferit, per a, tot seguit, fugir amb Rose cap a algun lloc secret d’Alaska. Temps després, Víctor Logan, que passaria a ser més conegut com a Víctor Creed, fill de l’assassinat Thomas i company de jocs a l’infantesa del propi James, decideix emprendre una recerca a la caça de l’assassí de son pare. En aquest moment, James Howlett ja era conegut com a Wolverine tot i que ell mateix es feina anomenar Logan.

Article publicat a la revista Pack de So, B.F.

Weezer, por Weezer

También conocido como “el disco azul”, es el primer disco, homónimo, de Weezer, la banda formada en Los Angeles en 1992. Rivers Cuomo llevó al grupo a publicar su primer disco en 1994 y uno de los más exitosos del cuarteto californiano. Hoy por hoy, “Buddy Holly” sigue siendo una de las canciones del rock alternativo de los ’90 más tatarareada.

El primer concierto de Weezer fue teloneando a la banda de Keanu Reeves, bajista en los Dogstar. Grabaron su primer disco en New York City, en Electric Lady Studios, proceso durante el que cambiaron un miembro para consolidar el grupo: Rivers Cuomo (cantante y guitarrista), Matt Sharp (bajista y corista), Patrick Wilson (baterista y corista) y el nuevo Brian Bell (guitarrista y corista) que sustituía al miembro fundador Jason Cropper. En mayo de 1994 publicaban el disco con la intención de no editar ningún single y esperar a ver los resultados del boca-a-boca. No obstante, al poco de la publicación del album, un DJ de una emisora de radio de Seattle empezó a retransmitir “Undone – The Sweater Song”, y visto la buena respuesta del público en California, terminaron por editar la canción en formato CD-Single. Acto reflejo, realizaron un videoclip sencillo y económico con mucho éxito en la MTV.

El mismo director de su primer video, Spike Jonze, fue el encargado de dirigir el de su segundo single del disco, “Buddy Holly”. Aprovecharon el filón de una popular serie americana cómica de los ‘70, llamada Happy Days para representar una actuación en la cafetería de la serie. Con este segundo videoclip, fueron nominados a numerosos premios MTV y Grammy. Actualmente, el disco debut está certificado como triple platino y el más vendido del grupo en toda su carrera.

Tiempo después, los miembros de la banda afirmaron que sentían mucha impotencia en los inicios del grupo pues se consideraban muy buenos y tocaban a menudo en bares pequeños de Los Angeles, pero la respuesta del público era algo parecido a “largaros de aquí, queremos una banda de grunge”. Sin embargo, tiempo después sus pensamientos se vieron reafirmados con las cifras de ventas de discos, gracias a la promoción de la que al principio carecían y a la retransmisión radiofónica y televisiva de sus primeras canciones. Y toda esta situación se torna paradójica al tener en cuenta que el repertorio era exactamente el mismo, antes, durante y después.

Gran parte de la consolidación de su sonido es debido gracias al juego de voces que se esforzaron en mejorar durante los ensayos, en un principio por la comodidad que sentían que aumentaba cuando todo el peso de la voz cantante no radicaba en un solo individuo. Llegar a esta buena armonía de voces les supuso muchas horas de práctica y ensayo, acentuando el falsetto con el que uno de ellos tenía que cantar una octava por encima de Rivers, la voz principal.

La banda tuvo que recortar su repertorio de quince canciones a diez, las que finalmente entraron en el disco dejando el resto como material de b-sides. Su primera intención era auto-producir el disco pero fue bajo el consejo de Geffen Records que aceptaron grabar con Rick Ocasek como productor, quien les convenció de tocar con las pastillas del puente de sus guitarras en lugar de las graves de mástil.

La mayoría de las canciones están compuestas y escritas por su líder Rivers Cuomo y hablan sobre temas como el accidente de coche de su hermano, el alcoholismo, los amores rotos y los celos.

Tiempo después de su publicación el album recibió las críticas que merecía desde el principio, por ejemplo, los lectores de la revista Rolling Stones lo situaron como el 21º mejor disco de todos los tiempos, y Pitchfork Media lo situó entre los mejores 50 discos de los ’90.

“Uuuuiiiiuuuuu I look just like Buddy Holly, ohh oh…”.

Murmur, por R.E.M.

R.E.M. es una banda de rock norteamericana formada en Athens (Georgia) en 1980, cuando Michael Stipe conoció a un dependiente en la tienda de discos de la ciudad, coleccionista de LP’s y guitarrista llamado Peter Buck, con el que tenía gustos musicales en común. Stipe dijo en una ocasión “al parecer, estaba comprando todos los discos que Peter guardaba para él”. Juntos se unieron a Mike Mills y Bill Berry en el bajo y la batería respectivamente, estudiantes de la universidad que ya habían tocado juntos anteriormente. Tocando en distintos pubs ganaron popularidad por la zona rápidamente, creando y propagando un estilo característico basado en los arpegios de guitarra y en la peculiar voz de Stipe. En una época en la que el punk a lo “Ramone” era que lo que estaba de moda, los R.E.M. consiguieron ser igualmente valorados como una banda no comercial sin recurrir a la agresividad musical ni a pintas y actitud insultantes. Así, terminaron por convertirse en la banda modelo de muchas bandas por venir como Nirvana, y estrechamente relacionadas también con Sonic Youth o los Pixies, pues a pesar de la diferencia sonora, el espíritu era el mismo.

Con el cuarteto formado, decidieron trabajar algunas canciones en común pero sin ningún proyecto serio en mente. Stipe puso distintos nombres al grupo, desde “Twisted Kites” hasta “Negro Wives”, pasando por “Cans of Piss”. Finalmente, se decidió por R.E.M. tras una búsqueda arbitraria en el diccionario, siglas referidas a Rapid Eye Movement, dícese de un normal movimiento veloz de los ojos en estado de sueño. El proyecto creció en motivación y los miembros dejaron los estudios para dedicarse plenamente a la banda. Ganaron popularidad en Athens casi instantáneamente y lograron un manager (Jefferson Holt) que los conoció en una actuación y quedó prendido por su talento. En 1980 salieron de gira por los estados del sur, movilizando cada vez a mayores masas y estableciendo un circuito de conciertos de bandas pequeñas en pubs que ningún grupo había establecido todavía, ayudando a abrir camino a muchas bandas emergentes todavía no formadas en la época. En 1981 ya habían grabado su primer single, “Radio Free Europe”, del que editaron mil unidades que se agotaron en seguida. A pesar de la corta distribución, la canción fue elegida entre los diez mejores singles del año por el New York Times.

En mayo de 1982, la banda firmaba con I.R.S. Records, con los que editaron su primer EP, Chronic Town. La revista NME trató el sonido R.E.M. como “un sonido puro, no forzado, natural y fluido”. En diciembre del mismo año ya se encerraban a grabar su primer LP.

Stephen Hague fue el productor elegido por I.R.S. Records para grabar con R.E.M., no obstante, la cosa no acabó de funcionar y tras una sesión en la que repitieron el tema “Catapult” numerosas veces, el baterista Berry acabó desquiciado. En ese momento decidieron pedir al sello que les dejaran grabar con Mitch Easter, el mismo productor con el que registraron el EP. El sello les permitió hacer un día de prueba por lo que la banda se desplazó al norte de California, donde grabaron “Pilgrimage”. Al escuchar la grabación, I.R.S. Records les dejó grabar con Easter y su ayudante Dixon. Así, R.E.M. se instalaron en los Reflection Studios del norte de California a grabar en enero de 1983.

Por el tiempo que ya habían tocado juntos y los numerosos bolos, muchas de las canciones salían bien por sí solas. Además, el grupo acordó buscar un sonido atemporal, alejándose de los clichés del rock como los solos de guitarra y el uso de modernos sintetizadores, muy populares por aquel entonces. Además, Berry insistió en grabar la batería aparte en una habitación insonorizada, práctica muy común en el pasado que ya no se solía realizar. No hubo problema con ninguno de los condicionantes, siendo el mayor contratiempo la necesidad de regrabar la toma de voces de algunas canciones.

En abril de 1983, Murmur vería la luz, llegando al puesto 36 de la Billboard album chart de los EE.UU. A pesar del buen recibimiento y la alta expectativa del disco, no se convirtió en disco de oro hasta 1991. Aún y así, la prensa especializada no se quedó corta en alabanzas en el momento de su publicación, situándolo, en el caso de la revista Rolling Stone, como el mejor disco de 1983, por encima del War de U2, el Thriller de Michael Jackson, o el Synchronicity de The Police. En 1989, la misma revista lo situaría como el 8º mejor album de los ’80 en una lista de 100, y en el 2003, en el puesto 197 de los mejores 500 discos de todos los tiempos.

De lejos es bien sabido que mi simpatía por la revista Rolling Stone no es especialmente agraciada, y a menudo cuestiono su criterio, pero el caso es que Murmur no sólo ha sido elegido en puestos tan honorables de listas interminables de discos por ellos, sino otros medios como la televisión VH1 (que lo situó en el 92º mejor disco de todos los tiempos) o la revista Pitchfork Media (5º mejor album de los ’80) también lo avalan. Murmur es un disco que como ellos mismos pretendían ha acabado convirtiéndose en un disco atemporal. Y así el sonido R.E.M., pues haciendo mías palabras de Iván Ferreiro (precisamente publicadas en la revista Rolling Stone…), “con R.E.M. me pasa como con Radiohead, nunca encontrarás un pastel de mierda dentro de sus discos”.

Watchmen: del còmic a la gran pantalla

El passat 6 de març es va estrenar als cinemes del país la última pel·lícula de súper herois: Wathcmen. Dirigida per Zack Snyder, el film es basa en el còmic homònim, Watchmen, d’Alan Moore i Dave Gibbons, datat a l’any 1986-1987. Més de vint anys després arriba al mitjà audiovisual.

Watchmen neix com a una concepció de 12 volums d’una sèrie, escrits per Alan Moore, dibuixats per Dave Gibbons i pintats per John Higgins. Van ser publicats per DC Comics durant els anys 1986 i 1987. La sèrie és protagonitzada per un grup de súper herois peculiars, segons molts, en resposta a la Patrulla X de la Marvel Comics. Moore va fer servir la història per a il·lustrar un concepte diferent al conegut de súper herois, en el que esdevenien patidors màrtirs i simbolitzant en algun personatge un prototip més adient d’antiheroi. Watchmen té lloc en un context nordamericà (presidit per un encertadament caricaturitzat Richard Nixon) on els superherois esdevenen per iniciativa de la policia com a resposta dels lladres i delinqüents enmascarats, al llarg dels anys ’40 i ’60 i ajudant als nordamericans a guanyar la guerra del Vietnam. En el moment contemporani de la història (1985, Nova York), el país està apunt d’entrar en una guerra nuclear amb la Unió Soviètica i els súperherois han estat retirats per una llei d’il·legalització. Així s’ens presenta una situació dividida entre súperherois on trobem els que decideixen després d’aquesta llei dedicar i sotmetre els seus serveis al govern, els que simplement amaguen la disfressa a l’armari i es deixen estar d’aventures i per altra banda els que continuen exercint clandestinament, escapant de delinqüents i de la polícia alhora.

Curiosament, la història explicada en 12 volums conté una història paral·lela i a petites ràfagues, inclosa dins de la trama principal. Es tracta del volum apart anomenat en anglès Tales of the Black Freighter (Històries del naviu negre) i que la seva història s’entrecreua en diversos volums amb la història principal. El primer volum de la sèrie principal però, va ser el que l’any 1988 guanyaria el premi Hugo (premi entregat a les millors peces escrites de fantasia i ciència ficció), tenint l’honor de ser la primera novel·la gràfica en aconseguir tal reconeixement. A més, és l’únic còmic que té l’honor d’aparèixer en la llista que va redactar la revista Times l’any 2005, que reunia les millors 100 novel·les angleses des de 1923.

Watchmen: La pel·lícula

El film ens resumeix d’una manera molt encertada la trama principal del còmic, tenint en compte les possibilitats que ofereix centrar 12 volums d’història gràfica en algo més de 2 hores de pel·lícula. Comencem amb un personatge al saló de casa seva, fumant un puro, bebent el que podria ser un whisky i mirant la televisió amb una pistola a sobre de la taula. De sobte, la porta del pis és tirada avall i el personatge és atacat per un enmascarat. Tots dos comencen una difícil baralla en la que destruiran tot l’escenari del pis i acaben amb la mort, finestra avall, de l’edifici del personatge fumador. Mentre cau, veurem que una xapa d’smiley se li despenja del barnús, tacat d’una gota de sang. Seguidament, ens enterarem que aquest home que ha caigut de la finestra de casa seva és l’anomenat Comediant, un dels súper herois de Nova York, un dels Vigilants. Arrel d’aquest començament, s’inicien uns dels més encertats crèdits d’inici que s’han vist en els últims anys i que ens situen totalment en el context de l’abans el durant i el després (l’actualitat) de l’anterior generació (la primera) d’aquests súper herois. Tot seguit, la trama consisteix en investigar aquesta mort del Comediant dels mateixos Vigilants, amb els propis conflictes d’actuar tot i la que podríem anomenar Llei Seca del Súper Heroi, i sempre tenint molt aprop el possible esclat d’una guerra nuclear entre els EE.UU. i la Unió Soviètica amb la voluntat de posar-hi remei al conflicte internacional.

Sobre el film, cal a dir que en la línea dels últims films sota el títol de Frank Miller’s, destaca per la seva brillant realització i per la seva utilització molt encertada dels colors, creant un ambient que t’atrapa i t’endinsa en un món dels anys ’80 diferent al que realment va ser, doncs començant amb que en aquest món de ficció hi existeixen els súper herois. Com diem doncs, l’ambientació és excel·lent i el ritme del film s’aguanta perfectament, així com el guió tot i que el transcurs i desenllaç del film pot ser qüestionable, cal a dir que sempre estarem parlant d’una destacable adaptació d’un còmic a una pel·lícula brillantment realitzada. Des que va aparèixer Sin City, o 300, la indústria nordamericana del cinema ens està acostumant a tenir una oferta cinematogràfica relacionada amb el còmic però fet amb un gust (sense entrar en si major o menor) diferents al que Hollywood ens tenia acostumats. Potser perquè aquestes adaptaciones encapçalades pel geni intel·ligent de la indústria del còmic, Frank Miller, pretèn dotar dels seus films pinzellades de diferenciació, creant un estil comú com a segell de la casa entre tots ells. Cal a dir també que part d’aquest mèrit el té la tecnologia d’efectes visuals que es fa servir i que encara resulta innovadora i només pròpia d’aquestes pel·lícules.

Watchmen: els personatges

-    El comediant: és mort des de l’inici de la trama, tot i així, s’explicaran trets del seu caràcter contínuament situant-lo en aconteixements passats. És cínic, nihilista i careix d’empatia cap a l’espècia humana sense distingir entre civilis i delinqüents. És un viciós. A més, té un vincle secret amb la primera fornada de súper herois.
-    Mussol nocturn II: és potser el Vigilant més humà, pels seus trets de falta de decisió i caràcter manipulable. És un gran inventor i sent gran devoció pels mussols. És l’heroi posseidor de la nau de transport del grup i molts altres invents propis. Està profundament enamorat d’Espectre de Seda II.
-    Espectre de seda II: filla de la primera Espectre de Seda. És la més jove del grup i físicament atractiva. Manté una relació amorosa amb el Dr. Manhattan fins que trenquen i esdevé un paper vital per la ressolució dels fets.
-    Dr. Manhattan: antigament era un científic que es va veure atrapat en un experiment, veient-se convertit en un ésser sobre-humà amb evidents poders que la resta de personatges careixen. Amb els fets va assumint el seu rol fora de la humanitat com a un ésser diví i perd l’interés en l’espècie humana. És l’intel·lecte per sobre de les emocions.
-    Rorschach: és un súper heroi format per la pròpia successió dels esdeveniments tot i el seu caràcter original. Representa l’antagònic al Dr. Manhattan, superposant l’emoció i la moral per sobre de l’intel·lectualitat. A més és redactor d’un diari i narrador de la història. És totalment carent d’empatia pels delinqüents, ficant en el mateix sac també a polítics, policíes… És portador d’una màscara que mostra la simbologia Rorschach (empleada per psicòlegs) d’una manera canviant, expressant el seu ànim.
-    Ozimandias: encarnant un paper semblant al de líder, és un dels més intel·ligents i ràpids del grup humà de súper herois, a més de considerar-se un deixeble d’Alejando Magno. Es va retirar molt dòcilment com a súper heroi després de la llei per fortificar el seu imperi econòmic i empresarial, a més de declarar-se obertament front la premsa com a un dels súper herois tot i el silenci de la resta.

Article publicat a la revista Pack de So

B.F.

Pablo Honey, por Radiohead

(Este artículo se lo voy a dedicar a mi pequeña-gran amiga ellen)

O los anteriormente conocidos como “On a Friday”, en 1993 publicaron su primer LP, un primer disco más que notable que a pesar de su claro sonido pop-rock británico alternativo (sólo por poner unos cuantos adjetivos…) ya denotaba señales de que ese pop-rock no era nada convencional. A su vez, también reflejaba ciertos indicios que podían hacer preveer una evolución alejada de todo sonido estándar… o más conocido como comercial.

Muchos conoceréis este disco por su evidente exitoso single “Creep”, pero lejos de esta canción hay numerosas que merecen una especial atención, entre ellas, a mi entender la genial e irrepetible “Stop whispering”, pero también podríamos nombras otras como “Thinking about you” o “Anyone can play guitar” (una frase que porcierto sin saberlo habremos repetido muchos guitarristas haciéndola nuestra).

Pablo Honey muestra en la portada al recién nacido de una pareja amigos del grupo y su título viene de una frase pronunciada por un dúo de cómicos norteamericanos, Jerky Boys, que simulando una conversación telefónica decían “Pablo, Honey? Please come to Florida!” (parte del gag). Pero como veníamos diciendo, Radiohead antes eran On a Friday y se llamaban así dando honor al día de la semana en que ensayaban. Tras un parón de estudios universitarios, retomaron la marcha trabajando una larga lista de canciones de su líder Thom Yorke. Publicaron un par de EP’s sin éxito.

Un año antes de publicar Pablo Honey ya habían grabado Creep, el tema que encabezaría el disco. Según Collin Greenwood (bajista de la banda), la canción fecha de finales de los ’80 cuando Yorke la escribió estando en la universidad y la utilizaban como una inyección de moral para continuar con el grupo. Al parecer, en 1992, grabaron Creep apenas sin proponérselo y el hermano solista Greenwood intentó boicotearla pues ya había agotado su gusto por esa canción. Inexplicablemente, el productor de entonces encontró que esos ruidos extraños quedaban sublimes en el resultado final. Así, la canción que de entrada parecía un cover de Scott Walker (ídolo de la banda) terminó convirtiéndose en un CD-Single exclusivo, eso sí, con igualmente pocas ventas pero empezando a causar ruido: Radio 1 se negó a retransmitirla por considerarla demasiado depresiva.

Según la banda, al publicarse el disco en 1993, tenían la sensación de que más que un álbum debut era un disco recopilatorio de una banda sin nombre de todas las canciones que habían estado trabajando hasta la fecha. En realidad, la grabación fue muy rápida pues llevaban años tocando las mismas canciones.

Con el disco en la calle, la crítica no fue especialmente receptiva salvo algunas publicaciones especializadas del tipo Rolling Stone, que generalmente les daban valoraciones positivas. A mediados de 1993, “Creep” se había convertido en un hit en los EE.UU. y llegó al nº 7 de las listas en Inglaterra. En detrimento del resto del disco, “Creep” se hizo incontrolablemente popular, tratando la canción como la evolución del grunge hacia un sonido más exquisito. Radiohead pasó a ser visto el Nirvana-británico, ya que además compartían referencias como los Pixies o R.E.M. Pero todo esto no era más que una espiral en la que el grupo se sentía atrapado, sin poder escapar de la sombra de “Creep”, viendo como buena parte del público de sus conciertos abandonaba tras escuchar la canción sin prestar atención al resto del repertorio. Algo parecido pasó con la canción “Prove Yourself” cuand Yorke se dio cuenta que el público coreaba parte del estribillo que hace apología a la muerte. A partir de mediados de los ’90, el grupo decide erradicar el rastro de “Creep” y borrarla de sus actuaciones en directo, así como de sus compilaciones de videos musicales, sin retomarla hasta ya adentrado el milenio 2000.

A pesar de esto, la banda no reniega del disco, considerándolo un buen disco teniendo en cuenta el poco conocimiento musical que tenían en la época. En cualquier caso, ya no se sienten identificados con el mensaje pesimista de “Creep”, eso sin duda. Para la banda, el mejor tema de Pablo Honey es “Blow out” pero sin embargo, ellos mismos tratan su segundo disco, The Bends, como el primero de todo lo que sería Radiohead con los años.

En cualquier caso, hoy por hoy, Pablo Honey se sigue vendiendo a raudales y por algo será. Aunque sea un disco que entra en muchas estanterías por “Creep”, escucharlo es descubrir una caja de bombones sin descripción de cada variedad. Además, estoy seguro que Nevermind también entró en muchas estanterías por “Smells like teen spirit” y quizá sea la peor del disco (uuh, ¿qué ha dicho? cuidado, cuidado… muahaha). Pablo Honey es una prueba empírica más de que toda gran idea u obra tiene un buen comienzo.

P.D.: y cabe aplaudir a la banda por sus santos cojones, pues en el concierto en el Daydream Fest. de Barcelona no tocaron ni “Creep”, ni “Karma Police”, ni “No surprises”, y nosotros que estuvimos allí no tenemos ni un sólo reproche, más bien, no pudimos más que aplaudir e intentar digerir el pedazo de espectáculo que acabábamos de ver.