The Empyrean, por John Frusciante

El 20 de enero de 2009 salió a la venta el 10º album de estudio en solitario de John Frusciante, guitarrista de los Red Hot Chili Peppers. Parecen muchos discos y lo cierto es que lo son para un guitarrista “a priori” tan ocupado con una banda de éxito. Sin embargo, si tenemos en cuenta que cinco de éstos se publicaron en un año y con una extensión rara vez superior a la media hora y de producción bastante minimalista, el listón rescinde un poco su altura. Además, los primeros dos discos son de calidad cuestionable (que me perdonen los fanáticos que proclaman el Niandra LaDes como su mejor disco), habiendo incluso retirado de la venta el segundo por el bajo nivel que presentaba y por las connotaciones del momento del artista. Así podríamos ir sacando punta a esta lista de discos en solitario hasta quedarnos con sólo tres LP’s: To record only water for ten days, Shadows collide with people, y The Empyrean.

The Empyrean fue registrado entre 2006 y 2008 y refleja una historia, conceptualmente, entre un individuo y sus otros Yo que en él habitan. Así, el propio Frusciante lo proclama como un album conceptual que hay que escuchar “a volumen muy alto y en una habitación a oscuras”. El disco ha recibido críticas notables por la prensa especializada, situándolo en la Billboard americana en el puesto 151 de salida y en las listas británicas en el 105. No se planea ninguna gira de presentación pues John prefiere dedicarse a seguir componiendo y escribiendo. The Empyrean cuenta con la colaboración de su amigo y compañero de banda, Flea, al bajo, también del miembro fundador de The Smiths John Marr y el habitual en sus discos Josh Klinghoffer, músico desde la adolescencia que también acompañó a los RHCP como guitarrista y corista auxiliar en la gira de Stadium Arcadium.

El disco presenta nueve temas originales y una versión de “Song to the siren”, del disco de 1970 de Tim Buckley, Starsailor. En cuanto al resto, canciones melódicas, con guitarras que nada tienen que ver con el funky que transmite a las seis cuerdas en su banda principal y grandes ejercicios de voz, desde falsete a otros registros y doblándose en múltiples pistas. Personalmente, destacaría del disco pistas como la introductoria “Before the beginning”, tema instrumental de nueve minutos con una de las guitarras más destacables de todo el LP y una batería a tempo tranquilo pero muy acertada. Además, “Unreachable”, “God” o “Dark/Light” son temas con una melodía muy acertada junto a multitud de efectos de sonido doblando la voz, delays de guitarra y mucha composición sobre teclado. Quizá uno de los mejores temas del disco sea “Central”, otro de los temas largos de más de siete minutos y quizá el gran éxito del album.

Con letras muy sinceras y personales, Frusciante sigue haciendo gala de su particular forma de ver la vida y sentir la energía que le rodea, quizá lagunas de su profundo contacto con las drogas duras en periodos pasados de su vida, pero gracias a las cuales ha logrado salir de ese profundo y temible pozo. Siguiendo con la canción “Central”, el loop lírico final que expresa “you gotta feel your lines” puede que sea el que mejor refleja este sentimiento, expresando la obligación del artista a sentir las letras que escribe. El loop completo dice así: “I’m dreading a time that is not near, as a man on a cross I have no fear, I can’t believe this words I’m saying, you gotta feel your lines, you gotta feel your lines…”.

Nuevamente, Frusciante muestra su talento musical incuestionable, aunque, otra vez, nuevamente, quizá sin llegar por igual a adeptos seguidores suyos y escépticos de su carrera en solitario. Algunos seguirán esperando el definitivo disco de John Frusciante que le catapulte al posible éxito que merece en solitario, pero el caso es que quizá ese disco definitivo no se pueda sintetizar en un compacto, sino que está disperso en toda su obra, junto a RHCP y en solitario. Un hombre con un mensaje claro, intimista, el que la vida que él ha conocido le ha mostrado. Pero obviamente, no todos vivimos la misma vida, y todavía menos de la misma manera, por lo que para alguien alejado del “mainstream” como él, su reconocimiento debería llevar años reafirmado. En cualquier caso, dudo que su intención de sacar un disco en solitario sea la de catapultarse a la fama, pues de alguien que ha renunciado a una Fender Signature Series en múltiples ocasiones, difícil sería concebir que el objetivo de la fama sea el suyo. Más bien el de la necesidad de expresarse creativamente y compartirlo.

X-Men Origins: Wolverine, les arrels del llop

Si en el número anterior parlàvem de Watchmen, ara no ens separem del món del còmic per tal de presentar-vos el nou episodi d’X-Men: L’orígen de Wolverine.

Tota història té un començament, i aquest film ens trasllada als primers dies de la vida de James Logan, “l’home-llop” de la patrulla X. Els successos tenen lloc molt abans que Logan sigui implantat amb un esquelet metàl·lic indestructible. Concretament, ens transportem 20 anys abans dels esdeveniments narrats a la trilogia filmogràfica d’X-Men, explicant els fets violents i romàntics de Wolverine, juntament amb la seva complicada relació amb Víctor Creed (més conegut com a “Dents de sabre”) i el sinistre programa Weapon X. Durant l’aventura, el jove Wolverine es trobarà amb diferents herois de Marvel, així com amb membres del grup protagonista de la patrulla de joves, i algun de nen.

En aquesta nova entrega, Hugh Jackman continua representant a Wolverine, mentre que el paper del jove l’interpreta Troye Sivan. Repassant l’inici del projecte, el mateix Hugh Jackman, va col·laborar en l’el·laboració del guió un cop s’havia decidit que la pel·lícula formés part de la saga filmogràfica X-Men. La idea inicial incloîa una escenificació fosca i violenta, més propera a la tendència iniciada amb Sin City de Frank Miller, contrària al que Jackman tenia en ment. Tot i així, el resultat final dependria dels filtres dels productors i director final, Gavin Hood. Cal a dir, que la direcció del film havia estat proposada a Zack Snyder, però aquest va refusar l’oferta doncs es trobava completament inmers en la realització de Watchmen. El director Hood va afirmar que el gran atractiu de Wolverine es trobava en el fet que d’alguna manera el personatge estava inmers en un món d’auto-odi i contradicció front la seva pròpia natura, en guerra constant contra sí mateix. La pel·lícula es focalitza en temes com la lluita interna del protagonista entre el seu estat salvatge animal i les seves qualitats nobles humanes, establint clares similituds amb el personatge del film Watchmen, Rorschach.

S’ha especulat amb la possibilitat d’una segona part del film amb Japó com a escenari principal, tot i així, aquesta no és la prioritat de Jackman, que prefereix definir i sintetitzar qui i perquè Wolverine és tal com és. El que sí sembla evident però, és que aquest pot ser l’inici d’una nova sèrie de “sub-sagues” on es vagi relatant l’orígen de diferents personatges de la patrulla X-Men.

Com a algo més que un fet annecdòtic, s’ha de dir que una versió inacabada de la pel·lícula va ser descarregada de la xarxa per 100.000 usuaris. En la mateixa, no apareixien efectes especials, però sí un fons verd-croma en moltes escenes, així com els cables d’on penjaven els actors. L’FBI està investigant aquests fets per a trobar els causants d’aquesta difusió.

Wolverine: el personatge

Wolverine va ser creat per Len Wien, Herb Trimpe i John Romita i després més desenvolupat per l’escriptor Chris Claremont i l’artista John Byrne. Claremont i Frank Miller però van establir importants trets del seu caràcter, donant lloc a un eslògan propi del personatge que engloba la seva filosofia i forma de ser de forma sintetitzada: Soc el millor en el que faig, però el que faig no és massa agradable.

Aspectes clau de Wolverine són la seva habilitat per a regenerar-se de qualsevol farida per molt greu que sigui, de la mateixa manera que aquesta habilitat el fa envellir molt lentament, fent semblar que té només 30 anys quan en realitat sobrepassa els 200. També és aquesta habilitat la que protegeix la seva ment, esborrant qualsevol record traumàtic i fent que no recordi el seu passat. A més, el seu propi nom prové d’un altre tret característic com és el fet que menja molt. Tot i així, el seu tret principal i pel que tothom el reconeix són les arpes metàl·liques que surten de les seves mans. Aquestes són un annexe del seu esquelet, que té aquesta aparença metàl·lica arrel de l’implantació d’adamantium, un tipus de metall.

La història de Wolverine té inici al segle XIX, quan va néixer James Howlett, a Alberta, Canadá. Fill d’Elizabeth i John Howlett, el petit va néixer malalt i dèbil, i a més de patir una severa asma, la seva mare no l’atenia amb cura doncs es trobava distant després de la mort per causes no explicades del seu primer fill. Així, el jove James es va trobar a càrrec d’una jova anomenada Rose, contractada pels seus pares. James i Rose s’ho passaven en gran jugant amb un altre jove, Víctor Logan, fill del cruel Thomas Logan, guardià dels terrenys de la Mansió dels Howlett. Aquest ambient plàcid canviaria radicalment quan el pare John Howlett va despatxar a Thomas després d’uns incidents també desconeguts. Thomas, inmers en un atac de ràbia assassinaria a la parella John i Elizabeth a trets d’escopeta. La mare del jove James, abans de morir però, va confessar que el veritable pare del seu fill era el propi Thomans Logan. Després d’aquests fets, James manifesta els seus poders mutants i cercant venjança, mata el seu pare de sang i deixa al seu germanastre malferit, per a, tot seguit, fugir amb Rose cap a algun lloc secret d’Alaska. Temps després, Víctor Logan, que passaria a ser més conegut com a Víctor Creed, fill de l’assassinat Thomas i company de jocs a l’infantesa del propi James, decideix emprendre una recerca a la caça de l’assassí de son pare. En aquest moment, James Howlett ja era conegut com a Wolverine tot i que ell mateix es feina anomenar Logan.

Article publicat a la revista Pack de So, B.F.

Weezer, por Weezer

También conocido como “el disco azul”, es el primer disco, homónimo, de Weezer, la banda formada en Los Angeles en 1992. Rivers Cuomo llevó al grupo a publicar su primer disco en 1994 y uno de los más exitosos del cuarteto californiano. Hoy por hoy, “Buddy Holly” sigue siendo una de las canciones del rock alternativo de los ’90 más tatarareada.

El primer concierto de Weezer fue teloneando a la banda de Keanu Reeves, bajista en los Dogstar. Grabaron su primer disco en New York City, en Electric Lady Studios, proceso durante el que cambiaron un miembro para consolidar el grupo: Rivers Cuomo (cantante y guitarrista), Matt Sharp (bajista y corista), Patrick Wilson (baterista y corista) y el nuevo Brian Bell (guitarrista y corista) que sustituía al miembro fundador Jason Cropper. En mayo de 1994 publicaban el disco con la intención de no editar ningún single y esperar a ver los resultados del boca-a-boca. No obstante, al poco de la publicación del album, un DJ de una emisora de radio de Seattle empezó a retransmitir “Undone – The Sweater Song”, y visto la buena respuesta del público en California, terminaron por editar la canción en formato CD-Single. Acto reflejo, realizaron un videoclip sencillo y económico con mucho éxito en la MTV.

El mismo director de su primer video, Spike Jonze, fue el encargado de dirigir el de su segundo single del disco, “Buddy Holly”. Aprovecharon el filón de una popular serie americana cómica de los ‘70, llamada Happy Days para representar una actuación en la cafetería de la serie. Con este segundo videoclip, fueron nominados a numerosos premios MTV y Grammy. Actualmente, el disco debut está certificado como triple platino y el más vendido del grupo en toda su carrera.

Tiempo después, los miembros de la banda afirmaron que sentían mucha impotencia en los inicios del grupo pues se consideraban muy buenos y tocaban a menudo en bares pequeños de Los Angeles, pero la respuesta del público era algo parecido a “largaros de aquí, queremos una banda de grunge”. Sin embargo, tiempo después sus pensamientos se vieron reafirmados con las cifras de ventas de discos, gracias a la promoción de la que al principio carecían y a la retransmisión radiofónica y televisiva de sus primeras canciones. Y toda esta situación se torna paradójica al tener en cuenta que el repertorio era exactamente el mismo, antes, durante y después.

Gran parte de la consolidación de su sonido es debido gracias al juego de voces que se esforzaron en mejorar durante los ensayos, en un principio por la comodidad que sentían que aumentaba cuando todo el peso de la voz cantante no radicaba en un solo individuo. Llegar a esta buena armonía de voces les supuso muchas horas de práctica y ensayo, acentuando el falsetto con el que uno de ellos tenía que cantar una octava por encima de Rivers, la voz principal.

La banda tuvo que recortar su repertorio de quince canciones a diez, las que finalmente entraron en el disco dejando el resto como material de b-sides. Su primera intención era auto-producir el disco pero fue bajo el consejo de Geffen Records que aceptaron grabar con Rick Ocasek como productor, quien les convenció de tocar con las pastillas del puente de sus guitarras en lugar de las graves de mástil.

La mayoría de las canciones están compuestas y escritas por su líder Rivers Cuomo y hablan sobre temas como el accidente de coche de su hermano, el alcoholismo, los amores rotos y los celos.

Tiempo después de su publicación el album recibió las críticas que merecía desde el principio, por ejemplo, los lectores de la revista Rolling Stones lo situaron como el 21º mejor disco de todos los tiempos, y Pitchfork Media lo situó entre los mejores 50 discos de los ’90.

“Uuuuiiiiuuuuu I look just like Buddy Holly, ohh oh…”.

Murmur, por R.E.M.

R.E.M. es una banda de rock norteamericana formada en Athens (Georgia) en 1980, cuando Michael Stipe conoció a un dependiente en la tienda de discos de la ciudad, coleccionista de LP’s y guitarrista llamado Peter Buck, con el que tenía gustos musicales en común. Stipe dijo en una ocasión “al parecer, estaba comprando todos los discos que Peter guardaba para él”. Juntos se unieron a Mike Mills y Bill Berry en el bajo y la batería respectivamente, estudiantes de la universidad que ya habían tocado juntos anteriormente. Tocando en distintos pubs ganaron popularidad por la zona rápidamente, creando y propagando un estilo característico basado en los arpegios de guitarra y en la peculiar voz de Stipe. En una época en la que el punk a lo “Ramone” era que lo que estaba de moda, los R.E.M. consiguieron ser igualmente valorados como una banda no comercial sin recurrir a la agresividad musical ni a pintas y actitud insultantes. Así, terminaron por convertirse en la banda modelo de muchas bandas por venir como Nirvana, y estrechamente relacionadas también con Sonic Youth o los Pixies, pues a pesar de la diferencia sonora, el espíritu era el mismo.

Con el cuarteto formado, decidieron trabajar algunas canciones en común pero sin ningún proyecto serio en mente. Stipe puso distintos nombres al grupo, desde “Twisted Kites” hasta “Negro Wives”, pasando por “Cans of Piss”. Finalmente, se decidió por R.E.M. tras una búsqueda arbitraria en el diccionario, siglas referidas a Rapid Eye Movement, dícese de un normal movimiento veloz de los ojos en estado de sueño. El proyecto creció en motivación y los miembros dejaron los estudios para dedicarse plenamente a la banda. Ganaron popularidad en Athens casi instantáneamente y lograron un manager (Jefferson Holt) que los conoció en una actuación y quedó prendido por su talento. En 1980 salieron de gira por los estados del sur, movilizando cada vez a mayores masas y estableciendo un circuito de conciertos de bandas pequeñas en pubs que ningún grupo había establecido todavía, ayudando a abrir camino a muchas bandas emergentes todavía no formadas en la época. En 1981 ya habían grabado su primer single, “Radio Free Europe”, del que editaron mil unidades que se agotaron en seguida. A pesar de la corta distribución, la canción fue elegida entre los diez mejores singles del año por el New York Times.

En mayo de 1982, la banda firmaba con I.R.S. Records, con los que editaron su primer EP, Chronic Town. La revista NME trató el sonido R.E.M. como “un sonido puro, no forzado, natural y fluido”. En diciembre del mismo año ya se encerraban a grabar su primer LP.

Stephen Hague fue el productor elegido por I.R.S. Records para grabar con R.E.M., no obstante, la cosa no acabó de funcionar y tras una sesión en la que repitieron el tema “Catapult” numerosas veces, el baterista Berry acabó desquiciado. En ese momento decidieron pedir al sello que les dejaran grabar con Mitch Easter, el mismo productor con el que registraron el EP. El sello les permitió hacer un día de prueba por lo que la banda se desplazó al norte de California, donde grabaron “Pilgrimage”. Al escuchar la grabación, I.R.S. Records les dejó grabar con Easter y su ayudante Dixon. Así, R.E.M. se instalaron en los Reflection Studios del norte de California a grabar en enero de 1983.

Por el tiempo que ya habían tocado juntos y los numerosos bolos, muchas de las canciones salían bien por sí solas. Además, el grupo acordó buscar un sonido atemporal, alejándose de los clichés del rock como los solos de guitarra y el uso de modernos sintetizadores, muy populares por aquel entonces. Además, Berry insistió en grabar la batería aparte en una habitación insonorizada, práctica muy común en el pasado que ya no se solía realizar. No hubo problema con ninguno de los condicionantes, siendo el mayor contratiempo la necesidad de regrabar la toma de voces de algunas canciones.

En abril de 1983, Murmur vería la luz, llegando al puesto 36 de la Billboard album chart de los EE.UU. A pesar del buen recibimiento y la alta expectativa del disco, no se convirtió en disco de oro hasta 1991. Aún y así, la prensa especializada no se quedó corta en alabanzas en el momento de su publicación, situándolo, en el caso de la revista Rolling Stone, como el mejor disco de 1983, por encima del War de U2, el Thriller de Michael Jackson, o el Synchronicity de The Police. En 1989, la misma revista lo situaría como el 8º mejor album de los ’80 en una lista de 100, y en el 2003, en el puesto 197 de los mejores 500 discos de todos los tiempos.

De lejos es bien sabido que mi simpatía por la revista Rolling Stone no es especialmente agraciada, y a menudo cuestiono su criterio, pero el caso es que Murmur no sólo ha sido elegido en puestos tan honorables de listas interminables de discos por ellos, sino otros medios como la televisión VH1 (que lo situó en el 92º mejor disco de todos los tiempos) o la revista Pitchfork Media (5º mejor album de los ’80) también lo avalan. Murmur es un disco que como ellos mismos pretendían ha acabado convirtiéndose en un disco atemporal. Y así el sonido R.E.M., pues haciendo mías palabras de Iván Ferreiro (precisamente publicadas en la revista Rolling Stone…), “con R.E.M. me pasa como con Radiohead, nunca encontrarás un pastel de mierda dentro de sus discos”.

Watchmen: del còmic a la gran pantalla

El passat 6 de març es va estrenar als cinemes del país la última pel·lícula de súper herois: Wathcmen. Dirigida per Zack Snyder, el film es basa en el còmic homònim, Watchmen, d’Alan Moore i Dave Gibbons, datat a l’any 1986-1987. Més de vint anys després arriba al mitjà audiovisual.

Watchmen neix com a una concepció de 12 volums d’una sèrie, escrits per Alan Moore, dibuixats per Dave Gibbons i pintats per John Higgins. Van ser publicats per DC Comics durant els anys 1986 i 1987. La sèrie és protagonitzada per un grup de súper herois peculiars, segons molts, en resposta a la Patrulla X de la Marvel Comics. Moore va fer servir la història per a il·lustrar un concepte diferent al conegut de súper herois, en el que esdevenien patidors màrtirs i simbolitzant en algun personatge un prototip més adient d’antiheroi. Watchmen té lloc en un context nordamericà (presidit per un encertadament caricaturitzat Richard Nixon) on els superherois esdevenen per iniciativa de la policia com a resposta dels lladres i delinqüents enmascarats, al llarg dels anys ’40 i ’60 i ajudant als nordamericans a guanyar la guerra del Vietnam. En el moment contemporani de la història (1985, Nova York), el país està apunt d’entrar en una guerra nuclear amb la Unió Soviètica i els súperherois han estat retirats per una llei d’il·legalització. Així s’ens presenta una situació dividida entre súperherois on trobem els que decideixen després d’aquesta llei dedicar i sotmetre els seus serveis al govern, els que simplement amaguen la disfressa a l’armari i es deixen estar d’aventures i per altra banda els que continuen exercint clandestinament, escapant de delinqüents i de la polícia alhora.

Curiosament, la història explicada en 12 volums conté una història paral·lela i a petites ràfagues, inclosa dins de la trama principal. Es tracta del volum apart anomenat en anglès Tales of the Black Freighter (Històries del naviu negre) i que la seva història s’entrecreua en diversos volums amb la història principal. El primer volum de la sèrie principal però, va ser el que l’any 1988 guanyaria el premi Hugo (premi entregat a les millors peces escrites de fantasia i ciència ficció), tenint l’honor de ser la primera novel·la gràfica en aconseguir tal reconeixement. A més, és l’únic còmic que té l’honor d’aparèixer en la llista que va redactar la revista Times l’any 2005, que reunia les millors 100 novel·les angleses des de 1923.

Watchmen: La pel·lícula

El film ens resumeix d’una manera molt encertada la trama principal del còmic, tenint en compte les possibilitats que ofereix centrar 12 volums d’història gràfica en algo més de 2 hores de pel·lícula. Comencem amb un personatge al saló de casa seva, fumant un puro, bebent el que podria ser un whisky i mirant la televisió amb una pistola a sobre de la taula. De sobte, la porta del pis és tirada avall i el personatge és atacat per un enmascarat. Tots dos comencen una difícil baralla en la que destruiran tot l’escenari del pis i acaben amb la mort, finestra avall, de l’edifici del personatge fumador. Mentre cau, veurem que una xapa d’smiley se li despenja del barnús, tacat d’una gota de sang. Seguidament, ens enterarem que aquest home que ha caigut de la finestra de casa seva és l’anomenat Comediant, un dels súper herois de Nova York, un dels Vigilants. Arrel d’aquest començament, s’inicien uns dels més encertats crèdits d’inici que s’han vist en els últims anys i que ens situen totalment en el context de l’abans el durant i el després (l’actualitat) de l’anterior generació (la primera) d’aquests súper herois. Tot seguit, la trama consisteix en investigar aquesta mort del Comediant dels mateixos Vigilants, amb els propis conflictes d’actuar tot i la que podríem anomenar Llei Seca del Súper Heroi, i sempre tenint molt aprop el possible esclat d’una guerra nuclear entre els EE.UU. i la Unió Soviètica amb la voluntat de posar-hi remei al conflicte internacional.

Sobre el film, cal a dir que en la línea dels últims films sota el títol de Frank Miller’s, destaca per la seva brillant realització i per la seva utilització molt encertada dels colors, creant un ambient que t’atrapa i t’endinsa en un món dels anys ’80 diferent al que realment va ser, doncs començant amb que en aquest món de ficció hi existeixen els súper herois. Com diem doncs, l’ambientació és excel·lent i el ritme del film s’aguanta perfectament, així com el guió tot i que el transcurs i desenllaç del film pot ser qüestionable, cal a dir que sempre estarem parlant d’una destacable adaptació d’un còmic a una pel·lícula brillantment realitzada. Des que va aparèixer Sin City, o 300, la indústria nordamericana del cinema ens està acostumant a tenir una oferta cinematogràfica relacionada amb el còmic però fet amb un gust (sense entrar en si major o menor) diferents al que Hollywood ens tenia acostumats. Potser perquè aquestes adaptaciones encapçalades pel geni intel·ligent de la indústria del còmic, Frank Miller, pretèn dotar dels seus films pinzellades de diferenciació, creant un estil comú com a segell de la casa entre tots ells. Cal a dir també que part d’aquest mèrit el té la tecnologia d’efectes visuals que es fa servir i que encara resulta innovadora i només pròpia d’aquestes pel·lícules.

Watchmen: els personatges

-    El comediant: és mort des de l’inici de la trama, tot i així, s’explicaran trets del seu caràcter contínuament situant-lo en aconteixements passats. És cínic, nihilista i careix d’empatia cap a l’espècia humana sense distingir entre civilis i delinqüents. És un viciós. A més, té un vincle secret amb la primera fornada de súper herois.
-    Mussol nocturn II: és potser el Vigilant més humà, pels seus trets de falta de decisió i caràcter manipulable. És un gran inventor i sent gran devoció pels mussols. És l’heroi posseidor de la nau de transport del grup i molts altres invents propis. Està profundament enamorat d’Espectre de Seda II.
-    Espectre de seda II: filla de la primera Espectre de Seda. És la més jove del grup i físicament atractiva. Manté una relació amorosa amb el Dr. Manhattan fins que trenquen i esdevé un paper vital per la ressolució dels fets.
-    Dr. Manhattan: antigament era un científic que es va veure atrapat en un experiment, veient-se convertit en un ésser sobre-humà amb evidents poders que la resta de personatges careixen. Amb els fets va assumint el seu rol fora de la humanitat com a un ésser diví i perd l’interés en l’espècie humana. És l’intel·lecte per sobre de les emocions.
-    Rorschach: és un súper heroi format per la pròpia successió dels esdeveniments tot i el seu caràcter original. Representa l’antagònic al Dr. Manhattan, superposant l’emoció i la moral per sobre de l’intel·lectualitat. A més és redactor d’un diari i narrador de la història. És totalment carent d’empatia pels delinqüents, ficant en el mateix sac també a polítics, policíes… És portador d’una màscara que mostra la simbologia Rorschach (empleada per psicòlegs) d’una manera canviant, expressant el seu ànim.
-    Ozimandias: encarnant un paper semblant al de líder, és un dels més intel·ligents i ràpids del grup humà de súper herois, a més de considerar-se un deixeble d’Alejando Magno. Es va retirar molt dòcilment com a súper heroi després de la llei per fortificar el seu imperi econòmic i empresarial, a més de declarar-se obertament front la premsa com a un dels súper herois tot i el silenci de la resta.

Article publicat a la revista Pack de So

B.F.

Pablo Honey, por Radiohead

(Este artículo se lo voy a dedicar a mi pequeña-gran amiga ellen)

O los anteriormente conocidos como “On a Friday”, en 1993 publicaron su primer LP, un primer disco más que notable que a pesar de su claro sonido pop-rock británico alternativo (sólo por poner unos cuantos adjetivos…) ya denotaba señales de que ese pop-rock no era nada convencional. A su vez, también reflejaba ciertos indicios que podían hacer preveer una evolución alejada de todo sonido estándar… o más conocido como comercial.

Muchos conoceréis este disco por su evidente exitoso single “Creep”, pero lejos de esta canción hay numerosas que merecen una especial atención, entre ellas, a mi entender la genial e irrepetible “Stop whispering”, pero también podríamos nombras otras como “Thinking about you” o “Anyone can play guitar” (una frase que porcierto sin saberlo habremos repetido muchos guitarristas haciéndola nuestra).

Pablo Honey muestra en la portada al recién nacido de una pareja amigos del grupo y su título viene de una frase pronunciada por un dúo de cómicos norteamericanos, Jerky Boys, que simulando una conversación telefónica decían “Pablo, Honey? Please come to Florida!” (parte del gag). Pero como veníamos diciendo, Radiohead antes eran On a Friday y se llamaban así dando honor al día de la semana en que ensayaban. Tras un parón de estudios universitarios, retomaron la marcha trabajando una larga lista de canciones de su líder Thom Yorke. Publicaron un par de EP’s sin éxito.

Un año antes de publicar Pablo Honey ya habían grabado Creep, el tema que encabezaría el disco. Según Collin Greenwood (bajista de la banda), la canción fecha de finales de los ’80 cuando Yorke la escribió estando en la universidad y la utilizaban como una inyección de moral para continuar con el grupo. Al parecer, en 1992, grabaron Creep apenas sin proponérselo y el hermano solista Greenwood intentó boicotearla pues ya había agotado su gusto por esa canción. Inexplicablemente, el productor de entonces encontró que esos ruidos extraños quedaban sublimes en el resultado final. Así, la canción que de entrada parecía un cover de Scott Walker (ídolo de la banda) terminó convirtiéndose en un CD-Single exclusivo, eso sí, con igualmente pocas ventas pero empezando a causar ruido: Radio 1 se negó a retransmitirla por considerarla demasiado depresiva.

Según la banda, al publicarse el disco en 1993, tenían la sensación de que más que un álbum debut era un disco recopilatorio de una banda sin nombre de todas las canciones que habían estado trabajando hasta la fecha. En realidad, la grabación fue muy rápida pues llevaban años tocando las mismas canciones.

Con el disco en la calle, la crítica no fue especialmente receptiva salvo algunas publicaciones especializadas del tipo Rolling Stone, que generalmente les daban valoraciones positivas. A mediados de 1993, “Creep” se había convertido en un hit en los EE.UU. y llegó al nº 7 de las listas en Inglaterra. En detrimento del resto del disco, “Creep” se hizo incontrolablemente popular, tratando la canción como la evolución del grunge hacia un sonido más exquisito. Radiohead pasó a ser visto el Nirvana-británico, ya que además compartían referencias como los Pixies o R.E.M. Pero todo esto no era más que una espiral en la que el grupo se sentía atrapado, sin poder escapar de la sombra de “Creep”, viendo como buena parte del público de sus conciertos abandonaba tras escuchar la canción sin prestar atención al resto del repertorio. Algo parecido pasó con la canción “Prove Yourself” cuand Yorke se dio cuenta que el público coreaba parte del estribillo que hace apología a la muerte. A partir de mediados de los ’90, el grupo decide erradicar el rastro de “Creep” y borrarla de sus actuaciones en directo, así como de sus compilaciones de videos musicales, sin retomarla hasta ya adentrado el milenio 2000.

A pesar de esto, la banda no reniega del disco, considerándolo un buen disco teniendo en cuenta el poco conocimiento musical que tenían en la época. En cualquier caso, ya no se sienten identificados con el mensaje pesimista de “Creep”, eso sin duda. Para la banda, el mejor tema de Pablo Honey es “Blow out” pero sin embargo, ellos mismos tratan su segundo disco, The Bends, como el primero de todo lo que sería Radiohead con los años.

En cualquier caso, hoy por hoy, Pablo Honey se sigue vendiendo a raudales y por algo será. Aunque sea un disco que entra en muchas estanterías por “Creep”, escucharlo es descubrir una caja de bombones sin descripción de cada variedad. Además, estoy seguro que Nevermind también entró en muchas estanterías por “Smells like teen spirit” y quizá sea la peor del disco (uuh, ¿qué ha dicho? cuidado, cuidado… muahaha). Pablo Honey es una prueba empírica más de que toda gran idea u obra tiene un buen comienzo.

P.D.: y cabe aplaudir a la banda por sus santos cojones, pues en el concierto en el Daydream Fest. de Barcelona no tocaron ni “Creep”, ni “Karma Police”, ni “No surprises”, y nosotros que estuvimos allí no tenemos ni un sólo reproche, más bien, no pudimos más que aplaudir e intentar digerir el pedazo de espectáculo que acabábamos de ver.

El Gran Lebowski, por los hermanos Coen

Hay películas que dejan huella. Sea por su guión y la historia que narra, por la actuación increíble de su actor principal o por su acertado reparto secundario. Por su ritmo trepidante de acción o suspense, por hacernos llorar y emocionarnos como cuando éramos críos, por su deslumbrante banda sonora original o selección de temas… y las hay que dejan huella por su personaje carismático y su añorada alfombra. Ese es El Nota, un tipo singular, pacifista, que lucha por su derecho a recuperar su alfombra.

El Gran Lebowski es una comedia de los hermanos Coen, ya de 1998, que nos presenta un personaje como Jeffrey Lebowski, alias El Nota, un desempleado, vago y jugador de bolos de la ciudad de Los Angeles. Tras ser tomado por un millonario con su mismo apellido y atacado en su casa y meado en su alfombra, El Nota, acompañado por su (excesivamente) fiel amigo Walter, inicia una campaña por ser indemnizado al haberse visto en semejante despiste de los chicos malos. No obstante, se verá involucrado en algo mucho más grande llevado a cabo por su tocayo.

La película no fue ningún éxito comercial en su momento a pesar de las buenas críticas por la prensa especializada, pero tiempo después se ha convertido en un film de culto por sus carismáticos personajes, las escenas surrealistas en la mente de El Nota, sus particulares diálogos y su achispada banda sonora (encabezada por un tema de Bob Dylan), llegando a tener un festival propio denominado The Lebowski Fest, que se inició en Kentucky en el año 2002.

Sin embargo, todo esto no prueba más que El Nota está a años luz de un personaje de ficción, simbolizando mucho más: una forma de vida. El Nota es como un hippie fuera de época, un hippie contemporáneo que no necesita tocar la guitarra en el campo y cantar al lado de una hoguera sino que tiene suficiente con ir a la suya, sin demostrárselo a nadie. Fumador de yerba a la vieja usanza, escuchador de Creedence Clearwater Revival en cassette, jugador de bolos y bebedor de Ruso Blanco, El Nota es un tipo que se pasea en calzoncillos por un supermercado y bebe de morro de un cartón de leche sin importarle el dinero que tiene que pagar por ello. Acompañado de su (otro gran personaje) buen amigo Walter, un ex-combatiente de la Guerra del Vietnam, atado a su ex-mujer de la que lleva más de dos años separado pero sigue ocupándose de su perro y compartiendo la religión del judaísmo a la que se convirtió por ella. Un tipo de mucho carácter que siempre tiene algo que decir y una forma clara de imponer a los demás su manera de vivir la vida. Una extraña pareja que se convierte en un cóctel explosivo para una gran película.

El Gran Lebowski es una religión, bajo el lema “tu agresión no tendrá una respuesta en mi”. Es una forma de ver la vida, de vivirla. Es pasión por la dejadez, a su vez. Es una película llena de momentos lúcidos dignos de la mejor comedia de los últimos diez o quince años con un guión totalmente elaborado, nada predecible y fuera de lo común, lleno de momentos de humor intenso a raíz de la más grande tontería insignificante. Son unos personajes muy bien encontrados, con caracteres muy marcados y contrapuestos. Es una serie de escenas surrealistas en las que se juntan El Nota, los bolos y el sexo. Es una colección de las mejores camisetas de una película que jamás se hayan hecho y toda una camisa de equipo de bolos con estilo propio.

El Gran Lebowski es un fenómeno social más que un éxito comercial, pues en su momento causó controversia en la crítica entre sectores que la defendían y otros que se sorprendían que semejante película ridícula fuera del mismo equipo que ganó el Óscar con Fargo. Sin embargo, la sociedad hizo del film lo que es hoy: un film de culto, pues no se empezó a ver así hasta el año 2002, pasados cuatro años de su estreno y así hay varios rankings oficiales que hoy la sitúan entre las primeras diez de las películas más divertidas de los últimos veinticinco años. Pero es que además de –extremadamente- divertida, es inteligente, audaz, ingeniosa, creativa…

¿Echamos una partida a bolos? No sé por qué será pero siempre que la veo me entran ganas de jugar a los bolos. Y de ponerme con orgullo una de mis camisetas de El Nota y pasearme por la calle con la cabeza bien alta. The Dude abides.

Sexus, por Henry Miller

Su nombre completo es Henry Vallentine Miller. Nació en Nueva York el 26 de diciembre de 1891 y murió en Los Angeles, California, el 7 de junio de 1980. Tras vivir durante un periodo de su vida en París y ver cómo EE.UU. censuraba sus libros, terminó por convertirse en uno de los pioneros de la beat generation, así como una gran influencia en personajes como Jack Kerouac. Su obra está plagada de contenido sexual, filosofía, crítica y análisis de la sociedad americana. Sexus (1949) es el primer tomo de su trilogía La crucifixión rosa.

Nacido en Manhattan, nunca llegó a tener una educación estable. Como joven, tomó parte en movimientos socialistas y entró en la Universidad Ciudad de Nueva York. Al poco dejó la escuela, pues a pesar de ser un brillante alumno, no soportaba sentirse atado ni quería ser sometido a la universidad tradicional americana. En 1928 se trasladó a París con su segunda mujer. Un año después, se encontraba solo viviendo la vida bohemia parisina, por la que anduvo con gran pobreza, alimentándose y durmiendo como podía. Gracias a relaciones sociales acertadas, logró convivir bajo techo, y aprovechó para leer e impregnarse del surrealismo francés. Además, una joven con la que tuvo un romance le subvencionó la publicación de su primera novela Trópico de Cáncer en 1934. También, desde 1931 escribía en la edición francesa del Chicago Tribune bajo el nombre de Alfred Perlès, amigo suyo asalariado del periódico. Trópico de Cáncer y sus siguientes obras, Black Spring y Trópico de Capricornio fueron totalmente prohibidas en EE.UU. por su obsceno contenido sexual, por lo que se fue generando un nombre clandestino entre las suburbes culturales americanas, apoyado en 1940 por la admiración declarada de George Orwell en un ensayo suyo. Finalmente logra regresar en 1940 a los EE.UU. instalándose en California.

A pesar de seguir prohibidas sus obras, empezó a ganarse un nombre en Europa, donde sí se publicaban los Trópicos, libros que se traían clandestinamente a los EE.UU. hasta 1961, año en que se publicaron legalmente los Trópicos, poniendo a prueba las leyes americanas sobre pornografía y libertad de expresión artística. Además de escritor, Miller era pianista y pintor, estando hoy en día sus pinturas en acuarela divididas en dos museos, en Japón y California.

En Sexus describe de manera biográfica con seudónimos falsos el divorcio de su primera mujer y la forma en la que conoció a su amante y futura mujer. Toma lugar en Nueva York, ciudad en la que nació y en él incluye a numerosos conocidos y amigos. Plagado de una descripción y un lenguaje admirable, pone a prueba sus ganas por ser escritor y detalla cómo luchó por ello frente al escepticismo de sus amigos. Utiliza múltiples escenas sexuales, vinculando el sexo con la filosofía y la felicidad. Con tal riqueza descriptiva, habla sin tabúes en lenguaje para adultos sobre su admiración por el sexo femenino. Sexus es un libro para adultos sin lugar a dudas, pero un libro de una calidad lingüística increíble, trasladando al lector a otra realidad americana que bien podría imaginarse hoy en día. Además, leído a su debido tiempo, puede dar una lección a más de uno en según qué materias…

Henry Miller es el rey de la controversia americana, por encima de todo el legado de literatura norteamericana posterior. El hecho de la censura de sus libros hasta veinte años después de su publicación en Europa, prueba que todavía hoy por hoy son libros sellados en las bibliotecas norteamericanas, dejando constancia en forma de nombre y apellido sobre todos sus lectores. Además, películas como El cabo del miedo han hecho incapié en la condición de libro prohibido de Sexus, utilizándolo como fuentes peligrosas para jóvenes adolescentes.

De una riqueza lingüística impresionante (sólo puedo insistir en ello pues es realmente increíble) y un poder descriptivo admirable, Miller, considerador precursor del postmodernismo, da una lección a la sociedad americana, sobre cómo vivir apasionadamente, por encima de todas sus leyes y fuera de todo su conservadorismo. Pone a prueba la verdadera naturaleza humana, obligatoriamente ligada al sexo en nuestra condición animal y cómo todo raciocinio se pierde bajo el mismo denominador común. Algunos dirían “la humillación del ser”, sin embargo Miller logra que esa degradación del uno mismo, individual y singular, se emborrache de pasión hasta la última palabra.

«El objetivo de la vida, es vivirla, y vivir significa ser consciente, gozosamente, borracho, sereno, divinamente consciente.» H. Miller

Milk, por Gus Van Sant

Gus Van Sant (Last Days, My Own Private Idaho…) nos presenta su nuevo film biográfico: Mi nombre es Harvey Milk. Por si, como servidor, alguien no conoce por el nombre a nuestro protagonista Milk, decir que fue el primer hombre abiertamente gay que ganó unas elecciones municipales, y propulsor de todo el movimiento homosexual de los años ’70 en San Francisco.

La película comienza con escenas de redadas policiales indiscriminadas en los años ’50 y ’60 por agentes de policía en locales nocturnos frecuentados por homosexuales, con sus consecuentes arrestos. Seguidamente, desde inicio se nos advierte del desenlace con Dianne Feinstein, alcaldesa de San Francisco en 1978, anunciando el trágico asesinato del alcalde hasta la fecha George Moscone y del supervisor Harvey Milk. La historia entonces empieza con el propio H. Milk registrando las cintas que encontró la policía días después de su asesinato, en las que habla sobre sus pensamientos y repasa su trayectoria para que quede legado de ella en caso de cumplirse alguna de las amenazas de asesinato que había recibido.

Los flashes alcanzan el año 1970, cuando Milk, residente en Nueva York, conoce a su joven amante Scott Smith, y harto de todo deciden trasladarse a San Francisco, en busca de un porvenir mejor, tolerancia y comprensión en una ciudad conservadora como la americana, donde los primeros destellos de liberalismo provenían de California. Así se repasa la historia de Harvey Milk desde que se inicia con una tienda de fotorevelados en la calle Castro de San Francisco, hasta que decide presentarse a un cargo político, como representante del barrio, haciendo campaña libremente como homosexual y reclutando a toda una plantilla de colaboradores de la misma condición.

Una gran película biográfica, donde Harvey Milk es interpretado por un enorme (y parecido) Sean Penn, destapando todos los puntos fuertes y flacos de una vida apasionada y entregada por una causa y sobretodo por unos ideales. Perseverante, Milk no quiere llegar a los cincuenta sin sentir que ha hecho algo importante con su vida y verá consecuencias en su vida personal por cumplir sus objetivos. La película está narrada brillantemente, además la caracterización de los personajes secundarios también es enorme, y sobretodo, la ambientación e imágenes de archivo de los años ’70 de San Francisco. Las secuencias de la ciudad desde el cielo te trasladan a la teórica ciudad más europea, por mentalidad, de los EE.UU., despertando nostalgia a cualquiera que haya estado allí.

Sobre la película, cabe decir que la idea original de hacer un film biográfico sobre Harvey Milk fue de Oliver Stone, que escribió un guión y pretendía producirla, que no dirigirla, con Robin Williams de protagonista, en 1991. La idea se la quedó Gus Van Sant, que rompió el contrato con Warner Bros. para años más tarde (2007), retomarla con un guión diferente. En 2008 se empezó el rodaje con Sean Penn en el papel del protagonista. La crítica americana especializada ha valorado muy positivamente la película y sobretodo la interpretación de su actor principal, exceptuando por alguna revista ultraconservadora.

En cualquier caso, lo que no es cuestionable sobre el film son los hechos contrastados con la realidad que en él se retratan. Así como la persona de Harvey Milk, un idealista que tras cambiar de ciudad, decide no renunciar nunca más a sí mismo y luchar por sus derechos y los de su condición bajo un grito de igualdad, respeto y tolerancia. Un hombre que supo desplazarse a tiempo a la ciudad indicada para llevar a cabo su cruzada, aunque ello le supusiera la muerte. Pero como en muchos otros casos de la historia, son necesarias ciertas muertes de algunos ídolos (o eso parece) para cambiar verdaderamente el rumbo de la sociedad. Para dejar una huella real y acelerar el progreso de la mentalidad mundial, y sobretodo la de una sociedad compleja como la de la americana.

Sin conocer ningún hecho sobre el protagonista, aún habiendo visto el tráiler, debo decir que la película está maestramente dirigida, además de muy bien acompañada de su guión (quizá lo que le faltó a otras películas de Gus Van Sant, como Last Days). Es entrañable y trata el tema de la homosexualidad de una manera abierta a todos los públicos y a todas las mentalidades, alejándose de recrearse en escenas delicadas como quizá hicieron otras películas sobre el mismo tema anteriormente (Brokeback-qué?). En cualquier caso, no es comparable a ningún film insinuado aquí. No sé si tratarla de obra maestra, pero si me quedo en el camino no será por falta de mérito. Además, será capaz de arrancar alguna lágrima a personas sensibles. Una película biográfica que haga investigar sobre el personaje es una película que ha cumplido con su cometido. Y un personaje que alcanzó su objetivo. Altamente recomendable.

(mural mostrado en el nº575 de la c/Castro en San Francisco, antiguo local de la tienda de Milk. Desde la pistola de la izquierda se lee: “Si una bala atraviesa mi cerebro dejad que esa bala destruya las puertas de todos los armarios”)

Flea, la pulga más grande

Continuando con la recién estrenada sección “Genio y figura”, presentamos a uno de los personajes más extrovertidos de las últimas dos décadas del mundo de la música: Flea. Es el bajista de los Red Hot Chili Peppers, y uno de los pocos que pueden alardear de haberse comido el mundo con un calcetín en los huevos.

Michael Peter Balzary, más conocido como “Flea” (pulga en inglés), nació el 16 de octubre de 1962 en Melbourne, Australia. Hijo de un padre pescador, la familia se trasladó a Nueva York cuando él tenía 5 años. Al poco tiempo y por problemas de adaptación de su padre Mick Balzary, la pareja se divorció, volviendo su padre a Australia y quedándose él con su madre en los EE.UU. Su futuro padrastro, músico de jazz, solía formar jam sessions en casa. Al poco tiempo, la nueva familia de Flea se trasladó a Los Angeles, California. Flea desarrolló un gran interés por la trompeta, convirtiéndose según profesores suyos de música en un futuro gran prodigio. Olvidó todo interés por la música rock, centrándose en músicos como Miles Davis o Louis Armstrong.

El alcoholismo de su padrastro, que a menudo se veía en trifulcas con la policía, llevó al joven Michael Balzary a consumir diariamente marihuana a la edad de 13 años para evadirse. Flea entró en el colegio Fairfax High School siendo un niño con grandes problemas de adaptación por sus extraños (y adultos) gustos musicales. Allí conoció a Anthony Kiedis, y tras un breve periodo de confrontación entre ambos, se convirtieron en mejores amigos. Según Kiedis, “los dos nos atrajimos el uno al otro por fuerzas superiores de amor y nos convertimos virtualmente en inseparables. Ambos éramos desechos sociales. Nos encontramos y se convirtió en la relación más longeva de mi vida”. Kiedis se convirtió en una gran influencia para Flea, devolviéndole el interés en la música rock, particularmente en el punk-rock. Además, fue él quien le dio su apodo en una semana de ski, por sus maneras saltarinas y caprichosas.

Flea también era amigo de Hillel Slovak, otro joven de L.A. Slovak estaba en una banda de punk-rock llamada Anthym que se encontraba sin bajista así que introdujo a M. Balzary en el instrumento de las cuatro cuerdas. Meses después Flea se convirtió en un miembro indiscutible del grupo. Anthym empezó a tocar en batallas de bandas a pesar de ser todos menores de edad. Slovak, Flea y Kiedis se hicieron buenos amigos y empezaron a juguetear juntos con la heroína, speed, cocaína y LSD.

Según palabras de Flea “la belleza del punk-rock radica en ser una explosión de energía, que se mea en toda la movida rock star. Cualquier músico que no valore el punk-rock, tiene un vacío en su conocimiento”. Anthym cambió su nombre por What Is This? y empezó a ser una de las bandas favoritas de las juventudes de la ciudad. En cualquier caso, Flea dejó el grupo para entrar en otra banda de punk-rock bien establecida llamada Fear, en la que duró pocos meses para volver a dejar la banda y hacer una audición con el grupo británico Public Image Ltd. Después de la audición, quedaron encantados con él pero rechazó la oferta de entrar pues el único motivo por el que hizo la audición fue para tocar momentáneamente con su líder John Lydon (más conocido como Johnny Rotten de los Sex Pistols).

La banda de punk-funk Defunkt fue la que juntó a Kiedis, Flea y Slovak, con una iniciativa por hacer música punk con toques de funky y empezaron a crear su banda alternativa entre los tres y Jack Irons, el batería cofundador de Anthym. La banda se llamó Tony Flow and the Miraculousy Majestic Masters of Mayhem, con un único tema propio llamado “Out in L.A.”. La banda tocó en un bar de la ciudad, el Rythm Lounge, donde les pidieron que volvieran a tocar pero con dos temas en lugar de uno. Tras unos bolos más, cambiaron su nombre por el de Red Hot Chili Peppers.

Los Red Hot Chili Peppers ampliaron repertorio a nueve canciones pero al poco Irons y Slovak dejaron la banda para grabar con lo que parecía su proyecto más serio, el de What Is This? Flea sintió que eso supondría el final del nuevo proyecto, pero habiendo fichado por EMI, cogieron a Cliff Martínez y Jack Sherman para tocar batería y guitarra respectivamente. Según Flea, él y Kiedis se enfrentaban continuamente con Sherman y Martínez debatiendo sobre la producción del disco y el tipo de música, llegando a entrar a grabar el primer LP autodenominado The Red Hot Chili Peppers a disgusto. El primer disco fue un fracaso y en 1985, Sherman fue expulsado de la banda, momento en el que Slovak volvió a petición de Flea.

Para el siguiente disco, Freaky Styley, los Peppers pidieron al músico de funky George Clinton (Funkadelic y Parliament) que les produjera el álbum. Según Flea, Clinton es la persona más cálida y buena que jamás ha conocido. La repercusión del disco no fue mucho mejor, vendieron alrededor de 75.000 copias, pero eso no importaba mucho entonces pues Flea estaba pletórico tras la reciente propuesta de matrimonio con su novia, ya embarazada de su hija Clara. Un año más tarde, Martínez fue también expulsado de la banda, junto al retorno de Irons tras la separación de What Is This? Por aquel entonces, Flea, Slovak y Kiedis consumían importantes dosis de drogas duras, haciendo la comunicación entre los miembros un proceso muy dificultoso y tortuoso. Kiedis desarrolló una importante adicción por la heroína, dejando gran parte del proceso de creación del nuevo disco a Flea y Slovak. Muy delicadamente, invitaron a Kiedis a dejar la banda durante un mes para entrar en rehabilitación. Tras su regreso, publicaron Uplift Mofo Party Plan, su tercer disco. Según Flea, es el disco más rockero que jamás ha hecho. Uplift recibió mejores críticas y cifras de ventas, llegando a entrar en el puesto 148 de la Billboard 200. Buenas noticias nubladas por la creciente dependencia de Slovak por la heroína, que perdió comunicación con Flea y cayó en una importante depresión y aislamiento. El 28 de junio de 1988, Slovak fue encontrado muerto en su apartamento por sobredosis de heroína. Flea dijo “no sabía realmente cómo tratar con semejante tristeza, y tampoco creo que Kiedis lo supiera”. Irons no pudo hacerle frente y dejó el grupo.

Flea y Kiedis se tomaron un respiro pero decidieron continuar con la banda. Cogieron al batería D. H. Peligro y al guitarrista DeWayne McKnight, que pronto creó tensión en el grupo porque no se encontraba a gusto. Fue Peligro quien les presentó a John Frusciante, un joven guitarrista de dieciocho años, fan del grupo. Flea, Peligro y Frusciante protagonizaron grandes jam sessions en las que Frusciante demostró conocer prácticamente todo el repertorio de los Peppers. Flea cayó en la cuenta de que podía suplir todas las carencias de McKinght, y tras la expulsión de éste del grupo, Frusciante aceptó encantado ocupar su puesto.

D.H. Peligro fue expulsado poco después, siendo sustituido por el actual baterista Chad Smith. Publicaron en 1989 su primer álbum juntos, Mother’s Milk, que generó críticas dispares pero que subió hasta el nº58 de la Billboard 200. Por la época, Flea colaboró con Jane’s Addiction tocando la trompeta en el disco Nothing’s Shocking, y con Young MC, en Stone Cold Rhymin’.

El LP fue certificado Gold, y Flea y Smith fueron arrestados tras una actuación en la MTV por cargos  sexuales. Los cargos pronto fueron retirados y quedaron en libertad. La banda, en cualquier caso, se separó momentáneamente y Flea mató su tristeza con marihuana y teniendo relaciones sexuales con fans.

Para el siguiente disco los Peppers rompieron relaciones con EMI y ficharon por Warner Bros, con Rick Rubin como productor. Decidieron que Flea calmara su estilo slap, en favor de mayor melodía y ritmos más pausados en sus toques de bajo. Para grabar el disco, Rubin sugirió una mansión que en su día perteneció al mago Houdini. Flea encontró que aquello era una gran oportunidad para promover la fertilidad creativa y se llevó a su hija Clara con él. La banda entera se trasladó a la mansión, a excepción de Chad Smith que aseguraba creer que la casa estaba encantada. Cuando no estaban escribiendo letras o componiendo, Flea pasaba el rato con Frusciante fumando grandes cantidades de marihuana. Durante la grabación del disco Blood Sugar Sex Magik, hacían largas jam sessions durante horas cada día, especialmente cuando Kiedis se retiró a actuar en un film. Según el propio Flea, nunca habían trabajado antes con esa libertad, calma y tranquilidad, a pesar de hacerlo a diario. El disco llegó al nº3 en la billboard 200 y vendió millones de copias en todo el mundo. Los Peppers protagonizaron importantes giras con Nirvana por toda la costa oeste americana. En Japón, Frusciante dejó la banda pues empezó a sentirse altamente incómodo respecto al creciente éxito del grupo.

Después del cierre del tour con Arik Marshall, cogieron a Dave Navarro de Jane’s Addiction. Kiedis estaba de nuevo muy dependiente de la heroína, motivo por el cual Flea se vio arrastrado a tomar un papel principal escribiendo letras en su nuevo disco, además de la propia “Pea”. One Hot Minute generó controversia pero no tanto éxito como su disco anterior. Después de un tour en el que la Flea y Smith sufrieron varias lesiones físicas, decidieron tomarse un nuevo respiro sin fecha de caducidad. Durante este periodo, Flea empezó a practicar yoga y a reducir su consumo de marihuana. Para llenar su falta de actividad musical, Flea se unió a Jane’s Addiction en 1997 durante un tour. Navarro fue criticado por ocasionar la separación de los Red Hot Chili Peppers, pero juntos aclararon que en ningún caso habían sustituido una banda por la otra, sino que eran actividades paralelas compaginadas en un momento de tiempo. Flea también se planteó iniciar una carrera en solitario pero dejó correr la idea en favor de prestar sus servicios a otros artistas, como Alanis Morrissette, además de participar en bandas sonoras para cine. En 1998, Navarro fue expulsado de los Peppers, y Flea preguntado por la continuidad de la banda, a lo que respondió que sólo se podía imaginar más Red Hot Chili Peppers si era con John Frusciante de nuevo. Tras una reunión entre ambos, Flea le pidió a John que volviera al grupo y Frusciante aceptó arrodillado entre lágrimas.

A partir de 1998, la banda ensayaba en el garage de Flea y empezó a hacer nuevas canciones. La nueva relación amorosa de Flea se rompió y éste cayó en depresión, que sólo superó cuando su hija Clara lo consoló tras semanas de sollozos. Para la grabación de Californication, Flea trató de emular con el bajo sonidos electrónicos, música por la que en el momento sentía gran admiración e interés. El disco fue un éxito y Flea lo celebró actuando en Woodstock en 1999 totalmente desnudo.
Por aquel entonces, Flea sentía que la música estaba decayendo como asignatura en las escuelas y fundó el conservatorio de música de Silverlake. Declaró “sin música hubiera tenido muchos más problemas de los que tuve, y estoy seguro que hay muchos jóvenes que se encuentran en la misma situación que yo entonces. Sólo intento dar un poco de lo que tengo”.

Durante By the way, fue Frusciante quien llevó buena parte de la batuta en la composición, y si Flea tocaba algún ritmo funky, Frusciante rápidamente lo desaprobaría. El disco fue un nuevo éxito aunque no igualó a Californication. Durante esa gira, hicieron tres conciertos en Hyde Park, en Londres, durante tres días consecutivos. Se convirtieron en el concierto más multitudinario jamás hecho por una sola banda.

En 2005, Flea tuvo una nueva pareja con que tuvo su segunda hija Sunny. Para su próximo disco, Frusciante y Flea se inspiraron en artistas como Jimi Hendrix, Jimmy Page, y Eddie Van Halen. Stadium Arcadium salió a la venta en 2006 y fue un gran éxito. Al año siguiente, la casa de Flea en Malibu se quemó.

Actualmente los Red Hot Chili Peppers se encuentran en periodo indefinido de separación. Flea entró el año pasado a tomar clases de teoría musical en la universidad del sur de California. Aprende solfeo, teoría y composición de la trompeta de jazz. Ha dicho recientemente que le supone mucha diversión estudiar esto ahora, pues durante años ha tocado el instrumento pero nunca supo el porqué del sonido de aquello que tocaba. Además, se encuentra realizando un disco en solitario en su hogar, para el que cuenta con la colaboración de Patti Smith y el coro del conservatorio de Silverlake.

Flea es un bajista que ha unido estilos en una sola manera de tocar. Desde rock a funky pasando por el punk, está considerado uno de los más grandes bajistas de todos los tiempo, además del mejor bajista rock contemporáneo. Palabras de Billy Corgan, fundador de los Smashing Pumpkins “la primera vez que vi a los Peppers, en 1984, Flea me sorprendió muchísimo. Tocaba con una energía y vitalidad fuera de lo común, además de con una rapidez increíble. Tocaba tan rápido que parecía que en un toque de cuerda perdería un dedo, además gritaba entre canción y canción por el dolor que sentía en los dedos, sin embargo, no podía dejar de tocar. Parecía que se perforara el dedo y alguien se lo rellenara con pegamento entre canción y canción.” Toca con un bajo de 1961, Fender Jazz, que adora por su madera. También ha colaborado muchas veces con la trompeta en grabaciones de los Peppers, desde Subway to Venus de Mother’s Milk hasta Torture Me de Stadium Arcadium.

Su estilo ha evolucionado constantemente desde el punk-rock, sumándole el toque slap. Además, poco a poco fue descubriendo la belleza del minimalismo y la simplicidad, sobretodo desde BSSM. También le ha calmado el hecho de tocar más horas en soledad que en jam session, sobretodo durante la grabación de One Hot Minute, en el que, a diferencia de la mayoría de casos anteriores, los temas no venían de jam sessions sino que mayoritariamente él los presentaba al grupo. Aparte de en la música, también ha madurado como actor, interpretando papeles en películas como Regreso al futuro II y III, Miedo y asco en las Vegas, El gran Lebowski, etc.

Flea dijo en la revista Bass Player de Junio de 2006 “Cualquier instrumento es sólo un medio para expresar quién eres y tu relación con el mundo. No importa tú nivel, tocar música es una oportunidad de dar algo al mundo.”

Borja dice en su blog en Enero de 2009 “Disfrutar de músicos como Flea es un regalo para todos nosotros, sus contemporáneos, y que no haya muerto por sobredosis como muchas otras estrellas del rock es una prueba de que él está ahí para ser, todavía más en serio, una estrella musical por sí misma.”